DEVOLUCIONES de "¿Qué puede Ud. decirnos de una mosaico calcáreo de 20 x 20?"




¿QUÉ PUEDE UD. DECIRNOS DE UN MOSAICO CALCÁREO DE 20 X 20?

Puede llevarse una o más de estas piezas. Leeremos su opinión y/o devolución en imagen.

Puede hacerlo enviándonos una fotografía del fin que le dio a las mismas.

(Digital en baja resolución vía e-mail. Foto-papel vía correo postal). Gracias por su apoyo.






Junio 2010


Mi hija de 12 años decoró un mosaico y se lo regaló a su tía de Villa María.

Una semilla que se vuelve flor…
Este mosaico no se convirtió en desaparecido,

sino en el disparador para trabajar la memoria en el contexto del bicentenario

junto con los alumnos de un Instituto de inglés.


Mónica Serpe
z


Abril 2010
Es lo que se nos ocurrió

de apoya-macetas en un carrito de madera hecho por mi hijito mayor.

Saludos. Adrian Camerano

Mi hijo se llama Antü Camerano,tiene 8 años.






GLAYSON ARCANJO: mosaicos retirados de demoliciones de Uberlandia.







MARCELINO PEIXOTO, Colectivo Xepa:












MARCELO TERÇA-NADA, Colectivo PORO
‘respuesta’ y contra-respuesta de D/C desde la casa 12 de Octubre


Fico muito feliz em saber que esta é a primeira colaboração 🙂
Abraços,
Marcelo









VIVIANE AVELAR GANDRA + MARCELO MARQUEZ, Colectivo Xepa:








SOLEDAD SANCHEZ GOLDAR

(11 – 8 – 08)

la baldosa calcárea con glocot queda perfectamente hermosa.


la casa que alquilo tiene baldosas calcáreas, amarillas y rojas.

mis abuelos eligieron parquet.

mis papás eligieron un piso rústico.

yo elegí un piso de cemento alisado donde colocaré 3 baldosas de demolición construcción

los árboles y las baldosas son significativas para mi…. me recuerdan a algunas personas





NICOLAS BALANGERO

“Este cuadrado es mío”

1- Desparramo de imágenes, certeza de abandono a ciertas horas. El piso, fingiendo protagonismo de escenario, era un soporte y nada más.

La baldosa era el porqué de todo. El porqué de un piso, de cuatro paredes, de una ciudad, de un mundo.

2- Que todo sucede por una razón, dijo alguien. Que si se rompe la cambiás de lugar para que no se note. Que ya no las hacen así, dijo otro.

3- Invento personajes. Los personajes inventados por mí sólo te preguntan si sos feliz.

Abuso de la personificación: la baldosa preguntando cosas.

4- ¿Qué pasa cuando estás en el suelo y no te podés levantar? ¿Qué pasa cuando sos igual a los demás, cuando sos sólo uno más e individualmente no tenés valor? ¿Qué pasa cuando te pisan durante tantos años? ¿Qué pasa cuando alguien te levanta pero a la vez te lastima? ¿Qué pasa cuando te apilan junto a otros? ¿Qué pasa cuando te das cuenta de que no volverás al lugar al que te habías acostumbrado? ¿Qué pasa cuando te rompen? ¿Qué pasa cuando es día pero no llega luz?

5- Instrucciones: Juntar 25 baldosas de 20 x 20 cm. Formar un metro cuadrado donde no haya que pedir permiso, donde se pueda (aunque un poco encogido) descansar. Allí refugiado, escribir una historia.




CELESTE SANCHEZ GOLDAR

Acá van las fotos de las baldosas.

¿Qué puedo decirte de un mosaico calcáreo de 20 x 20?

me fascinan, me encantan, como todo lo que tenga que ver con las casa antiguas.

Me provoca nostalgia de familias desconocidas, patios con niños y

plantas. Vidas diferentes a la mía. Vidas parecidas a la mía.
Mudanzas. Recuerdos. Todo lo que podría contarnos un mosaico calcáreo
de 20 x 20! TT





MARÍA JOSÉ CABRAL

Hola Graciela,

un poco tarde la devolución,

pero recién ahora este mosaico encontró su lugar.

No me generó reflexiones profundas, simplemente

se los regalé a mis padres para que lo pongan en su

patio, no me parecía necesario exigirle más que a

un enano de jardín.

besos!





CLEO NANZER (8 años, Córdoba)


Alineación a la izquierda

Gracias, Cleo! hermoso!





Breve reseña histórica/personal del proyecto D/C, período 2007-2009.

Negrita

“Así como nuestro inconsciente intenta escapar como puede

de la fatalidad del relato familiar por el psicoanálisis,

el arte hace consciente los escenarios colectivos y

nos propone otros recorridos por la realidad,

gracias a las mismas formas que materializan los relatos impuestos”

(Nicolas Bourriaud)



Antes de demoler una casa, se recupera todo lo posible, así sus piezas vuelven reutilizables a la construcción desde las reventas de los “compra y venta”. Esto es habitual en el área de la arquitectura (la demolición también…) y estas piezas van a formar parte de nuevos objetos arquitectónicos híbridos, no a los de la escuela modernista, que aún persiste en nuestra arquitectura, que opta por materiales internacionales puros.


A fines del año 2007, tuve ante mí esta casa, estaba inhabitable, muy deteriorada y sin ningún valor arquitectónico patrimonial (lo más probable es que fue una vivienda de auto-construcción) aún así tenía piezas posibles de recuperar, algunas carpinterías y los pisos. También tenía espacios interesantes, habitaciones escasamente iluminadas, texturas en las paredes, huellas del pasado en objetos allí abandonados, tanta información plástica por sí misma! Podía disponer de esta casa hasta que fuera vendida, de todos modos sería demolida para dar lugar al recambio urbano y tipológico. No se trataba de retrazar este proceso. Se trataba de trabajar a partir de un objeto residuo, deteriorado, indigno de ser habitado ya que no ofrecía ningún confort.


Dos mundos se entrecruzan constantemente en mi proceso: el de la arquitectura y el del arte, dos mundos aparentemente vinculados… sin embargo la posibilidad de comenzar en esta casa una obra artística se dio principalmente porque dada la crisis económica no podía realizar allí una obra arquitectónica. Cada vez que he querido reanudar mi profesión de arquitecta, ésta se vio afectada y acabé haciendo un proyecto de arte… el azar?


Primer sentimiento ante esta casa: espejo para la desolación (a nivel personal, profesional y ante lo institucional). En ese momento leo “Pedro y la demolición” de M. Viñar (conciencia de la demolición social).


Segundo efecto: necesidad de compartir mi desolación (donar la demolición como lo que realmente se tiene).

¿Qué sentido tenía hacer este proyecto sola, hacer una “interpretación”, hacer más imágenes ilustrativas de lo que se desmorona? No creo en la denuncia como algo efectivo hoy, no me interesa la crítica y no afirmo tener una visión personal de algo. Trato de buscar una forma operativa de crear herramientas que me permitan comprender más mi realidad inmediata sin que ésta me devore, y cada obra realizada es una prueba de mi fracaso, pero también una licencia que me permito para el yerro, para volver a intentarlo. Una idea que siempre he tenido de la libertad es la posibilidad de fallar como un derecho a no responder como esperan, no dar lo que la sociedad exige de mí. Cuando algún aspecto de la realidad me interesa, eso sí se vuelve una exigencia, necesito ir a su encuentro, apropiarme de sus signos el tiempo necesario y con quien haga falta. Necesito del otro para crear un espacio intermedio, visible para ambos, que no es propio ni ajeno, es una creación a partir de lo que se da, una entrega, un hacer contiguo. “Eso” que se hace visible en el espacio público y que pareciera que no es de nadie, ese cúmulo de roces cristalizados, inertes.

“Estimular el caos de manera productiva” decía Daniel Pflumm, esto es justamente!

Por dos años la casa continuó sin venderse. No es la casa en realidad lo que se vende, es su pedazo de terreno, sus posibilidades. Gracias a un sistema de colaboraciones, logramos concretar cuatro proyectos en esta demolición, en el que han participado muchas personas (como lo testifican las entradas anteriores de este blog) y se han generado muchos “espacios intermedios” que he tratado de capitalizar para reflexionar y mirarme en cada uno de ellos.


Tercer efecto: necesidad de cierre de etapa del proyecto en la casa. Una conclusión inicial luego de dos años de trabajo. Para esto me valgo de volver al primer proyecto que hice en esta casa: la recuperación de mosaicos calcáreos de las habitaciones más antiguas, que transformé en “piezas numeradas”, cuidadosamente envueltas en un material gráfico a la manera de una primera publicación para ser llevada gratuitamente por el público y participarlos a una convocatoria que me permitió abrir diálogo con ellos. Este primer proyecto lo llamé “(*) asteriscos en nuestra memoria”, aludía también a que los otros artistas que participaron en esa manifestación inicial compartida, apelaron a demoliciones pasadas, pero aún vigentes, para sus obras.

Mi intensión fue hacer una repartición simbólica de la demolición de la casa entre nosotros, que pudiera extenderse a la demolición indiscriminada del patrimonio tipológico que está cambiando la identidad de la ciudad, tratamos de entender para asimilar esta acción avalada por las instituciones gubernamentales, que se produce en nuestra sociedad democrática y es en consecuencia, aprobada por la mayoría. Aún no he conseguido respuestas de que esta demolición patrimonial resulte de una anuencia de la población y sus instituciones… por eso este proceso continúa abierto…


Próximamente propongo hacer con mosaicos que quedan y están ahora en el patio del CCEC, una repartición simbólica de la demolición entre dos instituciones, en un trayecto de la vía pública que vincula estos dos organismos en los que me siento involucrada desde el proyecto D/C y por eso con licencia para hacerlo.

¿cómo trabajar mi demolición sin reconocerla?

¿cómo entender un poco más la demolición institucional sin ir a su choque?

“Una institución inteligente, paga artistas para que sean críticas con ella”, decía Dora García. Lo hace para no caer en el estatismo, rigidez o estrechez mental y para beneficiarse del espíritu creativo del artista.

Como dijo Philippe Parreno: “nada se denuncia desde el exterior, previamente hay que asumir la forma de lo que se pretende denunciar, o cuanto menos inmiscuirse en ello”, esto es justamente lo que acabo de aprehender respecto a la denuncia.


A continuación publico las devoluciones de esta convocatoria, que han ido llegando poco a poco y abren un diálogo, estas personas comunicativas son para mí muy valiosas, me permiten tener un intercambio sumamente rico “desde aquí” (sé que soy exagerada cuando digo que este “aquí” es un “páramo cultural”… lo digo desde mis propias demoliciones).

Esta vuelta a “(*) asteriscos de nuestra memoria” me permite dejar sedimentándose el proceso de estos dos años más allá de mis limitadas conclusiones, con el solo fin de hacer un puente sobre sus mismas aguas para cruzar a lugares de memoria pública, para ir y venir tratando de construir un espacio intermedio entre ellos.

Agradezco a todos los que con tanta entrega han colaborado con D/C en estos dos años, así como a los nuevos colaboradores que continúan haciéndolo posible!


Graciela De Oliveira.

febrero 2010.


EMERGÍA EN CÓRDOBA Y SU APORTE A D/C.


Emergía/Córdoba

Conocí el proyecto Emergía en su presentación de Belo Horizonte, en la MIP 2, organizado por Ceia, en Agosto 2009. Además de asistir como espectadora al MIP 2, mi intensión era generar nuevos lazos y conocer otros proyectos. Esto fue muy fácil de lograr con los participantes y organizadores de este extraordinario encuentro de performance. Los proyectos en colaboración surgieron con tal fluidez, hablados sobre las mesas del restorán montado en el mismo lugar de la muestra al que todos concurríamos a comer y tomar. Allí conocí a Miguel Sepúlveda, intercambiamos nuestros proyectos enseguida y nuestros e-mails.

En ese momento estábamos dando cierre a una etapa del proyecto “Demolición/Construcción” (D/C), que había tomado como objeto de reflexión por dos años una casa que sería demolida, proyecto que patrocinó el Centro Cultura España de Córdoba (CCEC) y Aecid, D/C colaboró dando en el CCEC un taller de formación trabajando de modo horizontal con un grupo interdisciplinar de jóvenes autores, nuestra propuesta fue hacer una experiencia de comunicación con estos jóvenes, como veníamos trabajamos en D/C. Esta taller se llamó en su etapa inicial “Proceso”, propusimos invitar autores que ya tuvieran obra importante, para que pudiéramos charlar de sus procesos de trabajo, uno de estos invitados fue el proyecto “Emergía”, quienes cuentan con apoyo de la F. P. Claus para una parte de su proyecto. Los centros cultura España de Buenos Aires y de Córdoba colaboraron para que “Emergía” tuviera cabida dentro del programa D/C. También pudimos arreglar con los organizadores de “la semana del arte” en Rosario y dos meses después de ese encuentro en el café del MIP 2, Miguel y Fernanda empezaron la demolición de íconos en Argentina primero en Rosario, dentro del programa de este importante evento cultural organizado por los principales museos de esa ciudad. Siguieron luego en Córdoba, dentro del programa “proceso” de D/C, que como proyecto artístico en la instancia de exhibición basa sus principios en la interacción entre autores y público. E hicieron la despedida de Argentina desde provincia de Bs As, en el taller “Zona Imaginaria” de Lucrecia Urbano, que también es un proyecto artístico independiente con importante trabajo social.


Hablaré de “Emergía/Córdoba” que es el que he vivenciado y del cual me he sentido anfitriona en la ciudad. Decidí estar activamente en esta presentación, me interesa mucho interactuar también fuera de lo teórico, poniendo el cuerpo para obtener más elementos e interiorizarme en un proyecto. Así fue que me presenté como “corredora”, elegí el ícono, éste fue dibujado por Miguel en mi espalda, luego estuve un buen rato esforzándome frente a la pared blanca, hasta por fin lograr las condiciones para que se materializara la pieza: los calcos en papel de algodón del ícono sudado tomados por Fernanda. Fue una experiencia de entrega, de comunicación desde adentro con la pieza y sus autores… mientras corría no llegué a reflexionar sobre el icono que elegí, sino que pensé que estaba viviendo algo que por mucho tiempo no me pasaba, tenía que ver con sentir la energía del grupo, ser parte del engranaje de un aparato que me superaba como pensamiento individual… pensé en el azar, en lo todo lo que tuvo que ocurrir para… en lo rápido que los eventos se suceden, ¿cómo hacer para aprehenderlos mejor, capitalizarlos, trasformarlos?

Como dijo Bourriaud: “¿qué se puede hacer con?”.


Luego de esta presentación Fernanda y Miguel, hicieron un aporte al proyecto D/C, teníamos una programación, como veníamos haciendo en la casa a demoler, que duraba todo un día y un solo día. Y además era la despedida de ese objeto tomado por 2 años como disparador del proyecto.

Al comienzo Fernanda y Miguel pensaron en una acción conjunta… pero a medida que los días pasaron fueron interiorizándose en el proyecto D/C, su historia, las anteriores participaciones… hicieron un proceso veloz y cada uno optó por hacer su pieza.


La propuesta de Fernanda, “sin título (sírvase de la cebolla)”, una acción que ella iniciaba e invitaba al público a acompañarla, en la que hubo mucha participación y generó sentimientos varios en todos nosotros, no es habitual por aquí que un artista invite al público a llorar y que el público tome la invitación! Como yo veo esta pieza dentro del recorrido de D/C, es la pieza del necesario duelo, la despedida de la demolición que tanto nos había dado… mientras me servía de la cebolla pensé que nosotros no hemos podido revertir su estatuto de “demolición”, pensé en que esta apropiación que ella hizo del “tambor de hojalata” tenía un sentido que conectaba con el proyecto y su recorrido, a la vez que la conectaba a ella con una demolición íntima que había decidido compartirla con total apertura, creando una real comunicación, dándose en una entrega generosa.


Miguel propuso “Participación en D/C”, invitó a Rosa a cocinar y compartir unas recetas de dulces muy sencillas a partir de particulares ingredientes. Rosa pertenece a la “Asociación de ex-presos políticos de Córdoba”, la conozco hace unos 25 años, pero es hasta hace poco que puedo conocer a la Rosa militante, ya que es muy reciente aquí que las víctimas sobrevivientes puedan accionar en público. Un día fuimos al Archivo Provincial de la Memoria, ex-centro clandestino de detención, allí había una exhibición de objetos realizados por los presos políticos en los campos de concentración, Rosa estaba de guía allí, la presenté con Fernanda y Miguel, hablamos del nuevo proyecto que ya habíamos empezado a desarrollar en D/C y consistía en trabajar sobre los ex-centros clandestinos de prisión de Córdoba de la pasada dictadura, con la asociación y el archivo. Ella ha sido nuestro nexo para dar inicio a este proyecto. El día de la acción Rosa llevó a dos mujeres más de la asociación, Gladys e Isolina (ésta última que vive en Ushuaia estaba casualmente en Córdoba para testificar en los juicios a los dictadores que por esos días se estaban llevando a cabo) ellas nos contaron motivaciones que se generaban para no perderse a sí mismas dentro de aquella terrible experiencia, como lograr hacer un pastel de cumpleaños a partir de migas de pan. No tengo palabras (o debería extenderme mucho) para contar lo que fueron esos 40 minutos, los relatos de tres mujeres enteras dispuestas a compartir las recetas/excusas para que pudiéramos comunicarnos como seres humanos.



Valoro mucho la gran sensibilidad de Miguel, como acción de aporte dentro del proyecto D/C, hizo la “bisagra” entre lo que dejamos (la casa a demoler) y el próximo proyecto, nos regaló un nexo, una puerta para salir de la demolición de la casa a otras demoliciones que si bien ya habíamos empezado a trabajar, aún no tenía ninguna pieza concreta, la de él es la primera.

Emergía/Córdoba, fue más allá de su propósito de hacer una ciudad más… fue un tres por uno!

Fue una experiencia en todo lo que pudimos compartir y en el que muchas personas hemos ganado valiosas reflexiones. Generado por el azar de los encuentros de personas que están comprometidas con sus trabajos e interesados en los de otros como forma elegida de aprendizaje y resistencia ante las diferentes crisis.

Agradezco a todo aquél que directa o indirectamente ha hecho posible lo realizado, ya que se trata de un trabajo de colaboraciones que ya ha dado frutos, además de sembrar muchas ideas y pensamientos nuevos. Y por sobre todo ha vinculado personas y proyectos.

La reunión de personas era condenada en la dictadura, así como eran castigadas las risas o charlas en los centros clandestinos en los que tuvieron encerrados ilegalmente a jóvenes estudiantes y trabajadores, de quienes dispusieron indignamente y volvieron trágico el desarrollo natural de una sociedad que temió cambiar o experimentar nuevas maneras de construirse.

La reunión es ahora, además de un bálsamo, nuestra posibilidad de diálogo para re-pensarnos, para conocernos, comunicarnos, dar y recibir sanamente.

En D/C invitamos a explorar demoliciones presentes para poder hacer de ellas construcciones contemporáneas. Fernanda y Miguel son de los que se involucran realmente en lo que hacen, se abren a compartir, se adaptan a las situaciones con propuestas claras. Nos dejan su valioso aporte. Esperamos seguir construyendo el puente entre nuestros “desde aquí”.


Graciela De Oliveira, Enero 2009.


PRESENTACIONES DE OCTUBRE 2009 EN SEMANA DEL ARTE, ROSARIO


D/C en colaboración con “La semana del arte” en la ciudad de Rosario.

MIGUEL RODRIGUEZ SEPÚLVEDA: “EMERGÍA – ROSARIO”
Con la colaboración de Fernanda Mejía

27 de octubre 2009 en Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO) 14:00 hs.

© MIGUEL RODRÍGUEZ SEPÚLVEDA: Emergía Sao Paulo (1), 2009

http://www.miguelrodriguezsepulveda.com/emergia.html



PRESENTACION DE PROYECTO: “CHE – – A”

de Gabriela Gallassi, Graciela Sacco y Roberto Echen.

27 de octubre 2009, 19:00 hs.

Acción en la esquina de San Martín y Córdoba, Ciudad. de Rosario.

http://www.rechen.com/che–a/

http://www.semanadelarte.org/


logotipos


sitio Web de proyectos ya realizados:





Intercambios arte-arquitectura: Sacco – De Oliveira









Pieza de Graciela Sacco: “¿cuánto es un metro cuadrado de pensamiento?”






Proyecto de Remodelación arquitetónica, solicitado en Agosto 2009, para remodelación de una célula que forma parte de una propiedad horizontal de los años `40, ubicada en el centro de Rosario:





Espacio existente antes de la intervención

Necesidades: transformar el estudio/taller además, en vivienda para lo cual necesitaba un nuevo núcleo sanitario próximo al entrepiso que funcionaría como dormitorio y generar un estar/comedor.
Idea generadora: al cubo transparente de la obra artística que se abre hacia el exterior, hacia el público, responderle con un cubo opaco que se abra al interior: en un espacio de uso íntimo como es un núcleo sanitario. Los materiales en diseño estuvieron pensados en hormigón visto, quedando a criterio del comitente su resolución estética, quien optó por los de su gusto con total libertad.




Perspectiva del proyecto de remodelación





Fotografías de la obra terminada: interior del cubo sanitario





Ingreso al cubo sanitario desde entrepiso (dormitorio)




diálogo con "cuerpo en venta"

ON / ON

Una pieza de arte es el resultado de un proceso de pensamiento, la “punta del iceberg” como dijo RES, en una charla con jóvenes creadores de diferentes disciplinas que estamos llevando a cabo en el CCEC desde el proyecto D/C.    Entonces una colección de piezas de arte en realidad está “recopilando pensamientos”. He oído a críticos importantes decir que si esta recopilación mantiene una coherencia (así como el proceso debe mantener con la obra), puede llamarse como tal, y da una identificación a la institución o al privado que adquieren dichas obras. Por eso es importante contar con un asesor o al menos tener sentido común y experiencia.                                                  En D/C coleccionamos diálogos, no importa el soporte o disciplina que coteje, si es o no un objeto, un escrito, una acción, etc. nos interesa el documento de la experiencia de confrontación y elaboración del concepto pedido: reconocer o determinar una demolición y a partir de ese acto construir algo nuevo, con las herramientas que sean… D/C es el testigo y testimonio, el “lugar mental” donde se reúnen autores para pensar en voz alta a través de su trabajo y ésto es documentado.


Al comprar como parte del proyecto la pieza “cuerpo en venta” de Soledad Sánchez Goldar, la intención es crear un nuevo diálogo sobre los temas ya propuestos, incluso por la misma autora.

“El dinero da poder” es una frase construida, para demolerla Soledad diseña esta obra y es responsable por la acción que propuso, de ninguna manera acepto que comprarla tenga que ver con hacernos cargo de la marca que tendrá de por vida en su cuerpo, tiene que ver con que esa “marca” ya es llevada, portada por ella desde antes, ahora decide “representarla” en el mismo lienzo que viene usando en los últimos años: su cuerpo. D/C paga para que se abra al diálogo, la pieza que propone presenta una clara concordancia con el requerimiento de determinar una demolición: “la esclavitud que genera la necesidad de dinero”. La construcción se produce en este caso por el rango de testimonio en su tiempo y lugar, al plantearlo en dicha feria. Por esta razón era necesario comprar y que se concretara el deseo de la autora: dar a conocer su fragilidad ante el mercado del arte (lo que no quiere decir que esto le impida hacer su obra como ella considera apropiada)  y si nos tomamos la molestia de ir bajo agua, podremos obtener más información sobre el glaciar de donde este iceberg se desprendió para intentar tomar control de su propio camino a través de la acción y otros soportes.


Ahora estas marcas, lo que estos puntos rojos representan, se hicieron disponibles para ser pensadas. (no es poco lo que hemos comprado!)                    

Todo acto realizado es una marca de por vida, más o menos visible…

El artista al hacer de esto su medio de conocimiento y aprehensión de la realidad, opta por hacerlos visibles en el lugar que considere necesario, piensa y elige el soporte adecuado: entonces, sin duda construye una obra que merece ser respetada ya que nos proporciona nada menos que: un espejo (asible con lo que el espectador o el mercado puedan tomar para sí y completar su sentido).                                             

Graciela De Oliveira






                        

fotografías Sandra Siviero


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extractos de LO QUE SE DIJO EN LOS MEDIOS:

Opinión a la inauguración de ArteBA, por Mariana Oybin

“Puedo dar una vuelta en bici?, pregunta una mujer. “¡Quién lo diría: pedalear en arteBA!” Se la ve feliz con la propuesta que ofrece Bicicleta Costa Duchamp, de la galería Henrique Faría de Caracas. Y ahí nomás se sube a una de las treinta bicicletas diseñadas por Eduardo Costa, artista de la camada del Di Tella, que ideó la performance-instalación en 1979, a partir de la rueda Duchampiana. Muchos se suman con satisfacción y se convierten en protagonistas de la obra. 



Y no es todo. En la Galería Animal, Soledad Sánchez ofrece a la venta su propio cuerpo. Sí, nada menos. La artista transforma su piel en un lienzo, en el que se tatúan pequeños círculos rojos, como los que utilizan las galerías para señalar las obras vendidas. Quien quiera que la tatúen, tendrá que pagar 1.000 dólares. ¿Qué compra? El simbólico acto de participar en la performance. “La obra -dice la artista, que actualmente vive en Córdoba- habla del mercado del arte, del poder del dinero, y del poder que ejerce una persona sobre otra”. Y se pregunta: “¿Alguien compraría una idea? ¿Quién puede adquirir una pieza que no puede llevarse a su casa, que no puede exhibir ni re vender?”. Por ahora, nadie compró la intangible obra: “A mucha gente le da impresión pagar para que me hagan una marca en el cuerpo”, dice. Veremos si alguien se anima…”

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Fotografía de Ilze Petrone


opinión: VERÓNICA MOLAS:

“…Un coleccionista que paga por una obra que no se llevará a su casa, ¿qué clase de coleccionismo practica? Además de presentarse como una propuesta provocadora, Cuerpo en venta o efecto varicela, obra que la cordobesa Soledad Sánchez Goldar presentó en el stand de la galería chilena Animal durante la feria arteBA, cuestiona el rol del coleccionismo y se ubica muy cerca de una invitación al mecenazgo. 

La acción propuesta por la artista en arteBA, que es principalmente un escenario de intercambio de objetos de arte, consistía en vender la mencionada performance. ¿Cómo? Al sellarse la transacción (cuando un coleccionista decidía pagar los mil dólares que costaba la performance), la artista se tatuaría un círculo rojo en su cuerpo. Y el martes, tal cosa sucedió. Y por partida doble. 

Desde Animal, le avisaron a la artista que había dos compradores interesados en “adquirir” (según esta modalidad, de pagar por un acto de performance) Cuerpo en venta o efecto varicela, obra que forma parte de un proyecto que la artista viene realizando, compuesto por sucesivas acciones con tatuajes en las cuales utiliza su cuerpo como espacio de memoria, como un lienzo en el cual se dibuja su historia personal y familiar. 

Entre las 18 y las 20 del martes, Sánchez Goldar se tatuó dos círculos rojos en su cuerpo. Los tatuajes fueron practicados por Juan Pablo Deverill. Mientras, Ilze Petroni y Sandra Siviero documentaron la performance. 

Acto simbólico. Para la artista, Cuerpo en venta o efecto varicela es un acto simbólico. La idea es, concretamente, vender partes de su cuerpo para ser marcadas con el pequeño círculo rojo que utilizan las galerías para comunicar que una pieza fue vendida. El círculo tatuado no podrá ser removido de la piel, explica Soledad. Ella llevará para siempre la marca. 

La intención de Sánchez Goldar era hablar de la maquinaria del mercado del arte a través de un lenguaje que no entra dentro del mercado del arte local, como la performance. Y también meterse con el coleccionismo, el dinero y el poder. 
Muchas preguntas movilizaron a Sánchez Goldar, inquietudes que en la Web estallaron como polémica entre sus colegas: ¿qué motiva a los artistas a intentar entrar en el circuito del arte?, ¿qué motiva a los coleccionistas a adquirir obras de arte? 
A la artista también le intrigaba saber si alguien compraría una obra que no es tangible, si alguien compraría una idea, quién se decidiría a adquirir una pieza que no puede llevarse a su casa, que no puede exhibir ni volver a vender. 

La decisión de uno de los compradores abre al menos una perspectiva diferente respecto al coleccionismo tal cual lo entendemos hoy: el proyecto “Demolición/Construcción” (idea de Graciela De Oliveira) “adquirió” una de las performances. 
Si esta adquisición diferente es realizada desde el marco de un proyecto artístico, que es también intangible, que trabaja sobre procesos y no sobre objetos, el resultado de Cuerpo en venta o efecto varicela ya es más que interesante…” 

dialogo: Marcela Astorga y Nicolás Balangero


Hola Marcela, cómo estás? Mi nombre es Nicolás Balangero, soy de Córdoba, el año pasado estuve trabajando en el acondicionamiento de la casa para la primera presentación de demolición/construcción. Un tiempo después Graciela vio algunos dibujos míos y me invitó a participar en la próxima presentación. Hace unos días me propuso que te envíe algunas preguntas para que entablemos un diálogo.

Me cuesta enviarte tres preguntas relacionadas a tu obra en este primer contacto. Antes quisiera saber algo de vos, lo que te parezca importante que conozca para entender cómo llegás a tu actual forma de trabajo.
Bueno, saludos,
Nicolás



Primero, voy a intentar contestarte tu pregunta.

Hacen muchos años que me dedico a esto y por lo tanto, como es lógico para mí, la manera de producir ha ido cambiando. Ya que pienso que el cómo hacemos y lo qué hacemos está asociado a nuestra experiencia, necesidades, deseos, cuestionamientos …etc. Y por lo tanto la búsqueda se va modificando, siempre y cuando esté presente la libertad.

Si achicamos el espectro y hacemos foco en D/C, te cuento que algunas de las cordenadas fueron que me interesó muchísimo el proyecto, tanto como para engancharme a trabajar en grupo cosa que no me resulta fácil.

Otra que entre mis intereses está el tema de la Construcción: cómo se construye un país, una personalidad, un vínculo, una casa, una identidad, una familia, una obra…Cuánto de violencia y de descuidos hay en esas construcciones y como tengo siempre la premisa de mejorar ,creo que es necesario tener memoria.

Otra variable fue el deseo de cambio en mi producción y pensé que el trabajo en grupo era una posibilidad. Y mucho más éste en dónde había absoluta libertad de hacer, más un marco de pensamiento que tenía que ver con mi búsqueda.

Mi encuentro con D/C es un buen ejemplo de cómo llego a mi producción: estaba con grandes cuestionamientos acerca de mi manera de generar imágenes, se produce de algún modo una ruptura (que me tiene muy entusiasmada ) ya que es la primera vez que realizaré una acción y un video. Hasta aquí no había entrado en juego el tema del tiempo en mi trabajo y lo deseaba.

Estoy acostumbrada a construir imágenes “estáticas”, a trabajar con otra materialidad y quería “contar”, no sé si es la mejor palabra, en secuencias.

Resumiendo, construyo mi trabajo más ó menos en este esquema: ando, miro, siento, pienso, etc.; entro en crisis, busco, miro, pienso, entre otra cosas; y hasta aquí por suerte me encuentro o me encuentra una idea que para mi universo es nueva. Lo que no cambia son las cosas que me interesan de la vida, cambia el lugar donde me paro.

 

Y vos? Cómo llegás a tu producción?

Por qué está tan presente la escritura?

  

Marcela, te cuento, creo que mi forma de producir surge del error, de haber hecho algunas cosas mal y querer corregirlas. Empieza así un proceso de transformación bastante extendido. Eso me lleva a utilizar distintos lenguajes, entre ellos la palabra escrita, de ahí que esté tan presente; si bien mi formación es visual (en pintura más precisamente) hay momentos en que no sé cómo usar las imágenes. Ahora me está surgiendo la necesidad de usar sonidos, música. También he realizado algunos videos, pero contrariamente a lo que vos buscás en el video, creo que en mi caso éstos expresan el tiempo tanto como las imágenes “estáticas”.

La idea de construcción también me interesa, me gusta pensar la obra como la construcción de un puente que permite que dos o más personas se encuentren. Ahí también hay movimiento y tiempo.

Respecto a lo que escribiste en tu correo, me quedó dando vueltas la palabra libertad. Me gustaría saber en qué sentido la utilizás, ya que siempre estamos condicionados por algo al pensar una obra, ya sea por el espacio físico, el tiempo, el público, uno mismo, no? A veces pienso que los artistas pueden hacer lo que quieren, pero luego me doy cuenta que los límites están bien marcados y no son mucho más libres que las personas no-artistas, por llamarlas de alguna manera.

Relacionado a eso me gustaría saber…  Producís diariamente o cuando surge alguna posibilidad de muestra y teniendo en cuenta el lugar? Comercializás tus obras?

Bueno, te mando un beso

nico

 

Hola Nicolás:

Hablo de la libertad que uno se da, obviamente dentro de todos los condicionanates sociales.

pOr lo general, no voy al taller todos los días, sólo cuando tengo fechas.

esto no ha sido siempre así, ya que en un principio sí lo hacía…pero uno y las cosas se van moviendo,por suerte.

 Siempre tengo en cuenta el espacio, trabajo con volúmenes y me apasiona el espacio.

Sí ,comercializo la obra.

Me gustaría ver algo de lo que vas a presentar. tenés imágenes? las hiciste para la presentación o son cosas que ya tenías? me las podes mandar?

un beso

 

Lo que voy a presentar son dibujos que surgieron hace 15 o 20 años y retomé en 2007, ahí se ve lo que te contaba en mi correo anterior de la importancia del tiempo para mí, de que la pieza no se construya en un único momento (adjunto algunas imágenes). A mí me gusta pensar en todas las cosas como potenciales herramientas para expresar ideas, es por eso que diría que todos los días trabajo en la obra, si bien no siempre en el taller. Generalmente hago y luego, cuando surge una posibilidad de exposición, decido qué es apropiado presentar y en qué forma. Algunas veces también he generado cosas específicas.

Bueno, no sé cómo te parece que sigamos… yo pienso que si Graciela va a extraer de nuestro diálogo algunas partes para publicar, podríamos ponernos algunos temas para tratar y ver cómo éstos determinan nuestros procesos. O decime si se te ocurre alguna otra modalidad.

Saludos.

 

 

Hola Nicolás:

No veo bien en las imágenes lo que me decis del tiempo que pasó desde, que empezaste el dibujo hasta que lo retomaste. Quizas se vea en directo y en ese caso, esto que te estoy diciendo no tendría sentido.

 

Cómo trabajas el tiempo desde las imágenes? te lo pregunto porque me parece que no es un elemento que le pertenezca a la imagen. No ocurre esto en el video, ni en la música, en dónde es un elemento constitutivo, las dos lo necesitan.

Tambien me gustaría saber cuáles fueron los motivos que te llevaron a elegir estos dibujos para mostrar en D/C?

 

A mí me parece bueno que dialoguemos a partir de las imágenes que producimos.

Y cómo esas imágenes responden o no (pueden ir más allá, en el mejor de los casos. Responden y además tienen un plus) a los intereses personales.

Este es el proceso que me interesa.

 

Con respecto a Graciela, pensé en que, si estas de acuerdo, reenviarle estos e-mails.

Si te parece, tratemos de ir escribiéndonos respondiendo, para que quede todo junto.

un beso

marcela

 

Hola Marcela, creo que pensar que en una imagen no hay tiempo es como pensar que en la música no hay imágenes. O que en una cara dormida no hay tiempo. El tiempo hace su trabajo indefectiblemente sobre todas las cosas y las imágenes no son una excepción. En este sentido, todo “tiene” tiempo. Eso es lo que yo creo y lo intento explotar. Será que lo que hago no es fruto de instantes de inspiración sino de largos procesos.

Una vez leí algo así (seguramente lo diré con menos encanto y algo transformado, pero no recuerdo dónde lo leí): si uno viaja en un colectivo y ve una fecha escrita en una pared (pongamos por caso 2009) esto posiblemente no significará mucho. Pero con el correr de los viajes el significado de ese número se irá transformando. Al cabo de 20 años quizá sea algo hermoso.

Al fin y al cabo, un video es una sucesión de imágenes “estáticas”. Hace unos días releí una entrevista a Gabriel Orozco en la que dice que el problema que él tiene con el video es que es muy estático, el que lo ve tiene que quedarse quieto lo que éste dure. También decía que usar video y pensar que por eso se está expresando el movimiento y el tiempo se le hace ingenuo. Es una buena reflexión. Es más interesante generar un movimiento (en un sentido amplio de la palabra) en el que recepta la obra.

Respondiendo a tu pregunta de cómo elegí estos dibujos para D/C, fue una propuesta de Graciela que yo acepté. Tengo algunas otras propuestas y proyectos que considero un conjunto de movimientos que van para el mismo lado y busco la forma que mi obra aporte al sentido de la muestra tanto que la muestra le aporte al sentido de mi obra. Analizando todo esto fue que tomé la decisión. Me parece que será mejor que los veas en directo a los dibujos porque no me gustaría tener que explicarlos.

Podemos hablar a partir de las imágenes que hacemos y a través de ellas. Hay muchas formas de dialogar en el arte. Es algo de lo bueno que tiene. También podemos hablar a pesar de las imágenes, olvidándonos momentáneamente de ellas, sin ellas (como me dijo justamente ayer una amiga) o a partir de las imágenes que no supimos hacer.

Bueno, a mí también me gustaría ver lo que vas a presentar en D/C, me lo enviás?

Beso

  

Nicolás:

Coincido con Orozco. No tengo paciencia para ver videos en un show. Y el video no es para expresar tiempo y movimiento.

Un medio no expresa nada per se.

Pero cada medio tiene elementos que lo constituyen. Por ejemplo, en el video el  tiempo es uno de sus componentes.

No es el tiempo, ni el movimiento,  una preocupación personal. Hablé de él, en tanto y en cuanto aparece constituyendo la acción, no como idea que me interese.

 

En todo caso, me parece que hay que preguntarse si el medio que uno está utilizando es el mejor para resolver el “problema”, no?.

Quizás, no me expresé bien en mi e-mail anterior pero, era de esto sobre lo que hablaba.

 

Estoy de acuerdo con vos en que hablamos a través de las imágenes que hacemos. Y podemos entonces, hablar a partir de ellas.

Ahora, yo a mi receptor lo “dejo” que vea lo que pueda y quiera.

Doy la menor información posible sobre la idea, ya que creo que eso cierra las posibles “lecturas”.

 

A propósito, te interesa el espectador? Cómo?. Tenés en cuenta a la hora de producir al que va a observar el trabajo?

 

No me contestaste si te parece bien que le reenviemos este diálogo a Graciela, estás de acuerdo?

 

Te envío bocetos del proyecto para D/C, no creo que te digan mucho ya que son imágenes estáticas y lo que voy a hacer es una acción y un video…. en dónde me interesa accionar sobre el lugar para generar diferentes situaciones visuales y sonoras.

 

 

 

Sí, seguro que me interesa el espectador, o mejor dicho, me interesan algunas personas, sobre todo aquellas que no esperan ser sorprendidas a primera vista sino que cruzan una experiencia con lo que ven, y a veces hasta terminan sorprendiéndose. Obviamente uno no puede pensar en hacer algo que sea para todos, entonces esa es la gente que más me interesa. Siempre intento ponerme en el lugar de determinadas personas (cosa imposible claro) y me imagino qué pensarían frente a algo que hice. Después, por suerte, eso no sucede, pero me parece un buen ejercicio para pensar.

Mis trabajos le “hablan” a alguien en particular, no a la humanidad ni a mucha gente, sino a alguien. Creo que tiene que ver con mi forma de ser, me cuesta hablar a grupos numerosos, me siento mejor con poca gente o con personas solas.

A veces también hago esfuerzos para acercar la producción a los que no tienen contactos con el arte, como amigos de otros ámbitos o desconocidos en la calle, pero es bastante difícil.

Coincido con vos en que los medios no expresan nada per se, y en que hay que buscar el adecuado para cada cosa. Yo tampoco tengo una preocupación por expresar el tiempo ni el movimiento, pero a medida que busco algo, el tiempo va pasando y las cosas se van moviendo, y eso quiero que se note en el trabajo.

Estuve releyendo tus primeros mails, y me gustaría que me cuentes un poco más (si querés) acerca de la libertad como algo que uno se da, algo que a mí me cuesta mucho pensar. A veces siento que no sólo están los condicionantes sociales, sino que la obra misma va diciéndome lo que tengo que hacer, y no sé si eso es bueno, malo o simplemente tiene que ser así. No es que sufro cuando hago cosas relacionadas al arte, lo disfruto mucho, y aunque es algo que elegí, me pregunto si ahora lo estoy haciendo libremente.

Me parece bien mandarle todo a Graciela, tal vez haya que proponerle que el material tenga algún tipo de edición, después vemos

 

  

 

Hola!

De acuerdo, editemos.

Pero no mucho, sí? démonos libertad, relajemos.

Lo que hemos dicho acá es lo que pensamos. Podremos arreglar comas y usar sinónimos en el caso que hayamos repetido mucho pero,….

 

La LIBERTAD así, es utopía, para mí. Desde el momento que somos seres sociables (algunos más, otros menos).

 

Yo te había dicho que la búsqueda se va modificando siempre y cuando esté presente la libertad, no?

Me refería a lo que uno se permite ó no. A lo que uno está dispuesto a ceder ó no.

A cuánta fidelidad, responsabilidad ( capaz de darse respuesta) se tiene consigo.

En este caso, en el de la búsqueda mía con el trabajo,  me permito, me doy  la libertad (por lo menos cuando me distraigo,Ja!) de seguir buscando otras maneras de seguir “diciendo’.

Decir lo mismo o mirar lo mismo, pero desde otro lugar. No soy aquella de hace 15 ó 20 años atrás y no pienso , ni siento, ni veo, ni digo las cosas de la misma manera, entonces por qué debería seguir haciéndolo igual?.

No me alcanza con que sea una producción medianamente aceptada, reconocida, bla, bla, para seguir sosteniéndola. No, no me alcanza.

El reconocimiento, los logros en una supuesta carrera, me dan alegría pero muchísimo más me la da el saber que soy capaz de darme libertad para hacer y decir lo que hoy mejor me espeja.

 

A eso me refería.

No quiero fórmulas.

Cuando me encuentro con que 2+2=4, que 1+1+1+1=4…por lo menos me aburre.

Me “alimento” de la praxis. Del ir viendo y mirando.

Me encanta ese momento “mágico” que se da cuando aparece una imagen que me pertenece, que me ayuda a seguir con mi discurso visual. Y hablo de magia, de luz pero no por inspiración, sino porque se da cuando he venido trabajando sin orden, a oscuras, con tormentas, sin concentración y con ella…

Sin ser totalmente consciente.

Y aparece mostrando todo o casi todo lo que yo he venido viendo, pensando y sintiendo.

Por supuesto, que si hay un espectador que pueda ver esto y más …mi alegría es GRANDE.

 

A mí lo que me va modificando  algunas decisiones es el material y es lógico. Y creo que debe ser así.

Me dedico a lo visual y ése es mi desafío: resolver la imagen con sus problemáticas: color, forma, texturas, medio, material, medidas, etc.

 Bueno Nicolás, he intentado responderte…no tenés idea del esfuerzo que es para mí, escribir con una narrativa lógica, las palabras no son mi material y menos las escritas…..cada uno es…

Hasta pronto!

 Hola Marcela, me parece que estaría bien mandarle hasta aquí a Graciela, para que no haga algo muy extenso. A no ser que vos quieras preguntarme o contarme alguna otra cosa. En todo caso podemos seguir hablando por fuera de lo que se va publicar. Decime si estás de acuerdo.

Un beso

 

Sí, ya está, Nico.

Nos veremos pronto.

un beso

marcela

 

Presentación de D/C en centro cultural España Córdoba

18 de Marzo 2009
                                           
Luego de la acción de Marcela Astorga, “óculo”   y muestra de “dibujos borrados” de Nicolás Balangero en 12 de Octubre 433, se presentaron en las salas del CCEC las piezas de Graciela Sacco, “¿cuánto es un metro cuadrado de pensamiento?” y de Luis González Palma, “vanidad”, ambas piezas realizadas con apropiación del los cables de electricidad retirados de esta misma casa que veníamos trabajando como objeto de intervención. 
Esta presentación tuvo como fin mostrar la dinámica de trabajo en D/C, enfocada en que los participantes logren hacer su proyecto con el apoyo del grupo y entre todos los involucrados generar un diálogo que sin duda será una muestra en menor escala del trabajo que todos hacemos para construir la realidad en la que vivimos.

      

Acto seguido hicimos una reunión abierta al público para presentar el proyecto D/C en sociedad, responder preguntas y convocar a jóvenes autores a participar en el taller interdisciplinario que coordinaremos desde el CCEC. 
Programa e inscripción en:
Sitio Web de demolición/contrucción:
(dudas y más preguntas: demolicionconstruccion@gmail.com)
       
La presentación estuvo a cargo de nuestro asesor Gerardo Mosquera, coordinadora Graciela De Oliveira y colaboradores de lujo: Luis González Palma, Graciela Sacco y Marcela Astorga, amigos y público que se acercó.
   
Gracias a todos por la participación!

REFLEXIÓN: demolición y arquitectura

“…estamos condenados a vivir en la melancolía porque estamos condenados a vivir en la memoria. Y si estamos condenados a vivir en la memoria, no se puede hablar de los muertos como un concepto general. Sólo puede hablarse de los propios muertos. La muerte, en el sentido último del término, debe ser una experiencia privada, particular. Para llorar a los muertos ajenos hay que hacerlos propios, hay que saber amarlos…”

(Estrella de Diego “lo que no se logra escribir” citando a Haverkamp)



Graciela De Oliveira:

Mientras más pensamos en las acciones de demoler y construir… pareciera que en la arquitectura es más fácil de dilucidar los síntomas de demolición cultural, visibles en la trasformación que van sufriendo las ciudades de Latinoamérica en general… Córdoba es un ejemplo, en su centro y alrededores de lo que fue hace pocos años, solos van quedando los considerados monumentos arquitectónicos, algunos con intervenciones “estéticas” que han cambiado para siempre su personalidad y han dejado de ser ese objeto único de la memoria colectiva en la historia de la arquitectura.

Hablamos de la casa tal de que se demolió y tal otra, y tantos ejemplos tipológicos que fueron referentes vivos en nuestra época de estudiantes, murieron!

No fueron llorados. ¿Acaso no son nuestros muertos?

¿Son nuestros los nuevos edificios que están ahora en su lugar?

¿Representan la arquitectura contemporánea Argentina, la identidad Cordobesa, la realidad social, la memoria urbana, el arte como pensamiento?

¿Qué fin político hay en el desarrollo urbano de nuestra ciudad?

¿Será la construcción indiscriminada inevitable, como la natalidad elevada en los sectores más carenciados, vienen a compensar la escasez cultural, para ser lo único que podemos “tener” a nivel simbólico?

¿Es la arquitectura un objeto con un fin concreto, y por ello limitado en el tiempo?

¿Es la obra de arte un objeto sin un fin, y por ello permanece como patrimonio cultural?

Soledad Sánchez Goldar:

modos de parar una demolición:
Juntar firmas con los vecinos pidiendo que no tiren abajo el edificio en cuestión, alegando que es patrimonio arquitectónico y patrimonio cultural del barrio, caben tres posibilidades: que lo tiren abajo y construyan un edificio con interiores de durlock y habitaciones de 1×1, que envíen a patovicas para desalentar a los vecinos que quieren parar la demolición, o que afortunadamente no tiren el edificio en cuestión y tiren el de al lado.
Presentar un proyecto de ley a la legislatura que realmente proteja el patrimonio arquitectónico, el proyecto se presentaría con algún legislador de un partido de izquierda y sería vetado por el resto de los legisladores que tienen acciones en empresas constructoras.
Encadenarse al edifico en cuestión, llamar a cadena 3 y todos los medios televisivos de la ciudad, algún vecino se apiadará del loco en cuestión y le alcanzará algún sandwichito, algún otro dirá que bueno que alguien está en contra de esta destrucción masiva de la arquitectura de la ciudad, otros dirán que edificios nuevos es progreso y llegará la policía a llevarse al loco atado o en su defecto patovicas enviados por la empresa constructora intentarán desalentar al pobre vecino en cuestión que desesperado intentó parar que tiren la única casa art decó que quedaba en la cuadra.
En este sistema monetario no se me ocurre que pase otra cosa más que la destrucción en pos de generar más dinero, sin importar nada, a costa de todo y todos. la arquitectura es un ejemplo, el suelo dónde cultivamos es otro, la contaminación es otra y un enorme etcétera.



"PROCESO" autores hablan de su obra para D/C

 

MARCELA ASTORGA:”óculo”
Este proyecto está basado en el concepto de demolición y construcción.
Crisis y cambios. Derrumbes y surgimientos.
Mutaciones.
Movimientos, transformaciones de paisajes: internos, externos, urbanos, sociales…

…Me interesa la acción absurda de romper un techo, aunque generada por un acto con cierta violencia, tiene como fin iluminar y cambiar.

GRACIELA SACCO:

“¿cuánto es un metro cuadrado de pensamiento?”
Demolición / Construcción
En que se transforma una casa cuando se muere?

 

LUIS GONZALEZ PALMA. “Vanidad”

La idea del proyecto es una reflexión sobre el estado transitorio de las cosas, sobre la consciencia del origen de los objetos y la potencialidad de transformación de los elementos que nos rodean. A grandes rasgos propongo la creación de una especie de naturaleza muerta. La transformación de un objeto cotidiano en otro, pero simbólico. Objeto cargado de dos historias: la mía misma y la de una casa que sufre un proceso de destrucción y transformación total.

 

 

NICOLAS BALANGERO: “dibujos borrados”

 
Lo que voy a presentar son dibujos que surgieron hace 15 o 20 años y retomé en 2007, ahí se ve lo que te contaba en mi correo anterior de la importancia del tiempo para mí, de que la pieza no se construya en un único momento (adjunto algunas imágenes). A mí me gusta pensar en todas las cosas como potenciales herramientas para expresar ideas, es por eso que diría que todos los días trabajo en la obra, si bien no siempre en el taller. 
 
Generalmente hago y luego, cuando surge una posibilidad de exposición, decido qué es apropiado presentar y en qué forma. Algunas veces también he generado cosas específicas.
 
 
 

 

 

IRENE KOPELMAN: “propuesta para D/C”(proyecto en proceso)
Lo mas llamativo de la casa de ‘12 de octubre 433’ es que es simplemente una casa, ubicada en un barrio que es simplemente un barrio. La casa no tiene rasgos sobresalientes, al menos a primera vista, espacialmente es una casa como podría haber sido cualquier otra casa en un barrio de Córdoba.
Sin embargo al entrar a la casa
uno presiente una historia.
…podría ser, de vuelta, cualquier historia; una familia que tuvo que irse rápidamente y dejo el espacio allí cayéndose a pedazos, alguien que murió allí solo, cualquier historia. Lo primero que ocurre al entrar allí es intentar reconstruir esa historia, encontrar rastros que la develen ¿cuales fueron los últimos momentos en esa casa? ¿son los objetos en el espacio ras

tros de esos momentos? Unas bolas de goma rojas en el piso del patio, un cuarto lleno de electrodomésticos inservibles, una pila enorme de diarios cortados al lado del asador. Encontrar la evidencia material e intentar decodificarla. ¿Por que nadie se llevo todos esos electrodomésticos? ¿Quien tiro esas bolitas rojas en el piso y las dejo allí tiradas? Cada pieza, cada objeto tiene potencialmente significado para develar la historia. Las piedritas en cada escalón que sube a la terraza… ¿alguien las puso? ¿Responden a algún orden?Recorrer la casa intentando reconstruir su historia, en el sitio y momento actuales e intentar vincularlo a su pasado es de alguna manera transitar ese pasado, es tratar la casa como sitio arqueológico donde cada cosa y cada objeto cobran sentido a los fines de conectar el rompecabezas de la trama histórica.En esta ‘investigación de campo’ por la casa en búsqueda de material arqueológico encontré en la terraza una pieza mural de pintura asfáltica en cuya superficie el tiempo había dejado trazos. Quisiera tratar dichos trazos como reliquias, como material tangible de un pasado ya perdido.

 

GERARDO MOSQUERA, asesor de D/C en Córdoba

Gerardo Mosquera
17 de marzo 2009 19:30 hs en CCEC
dio una conferecia mostrando su trabajo como curador.
18 de marzo 20:30 hs.en CCEC
Mesa redonda con G. Sacco, M. Astorga y D/C
Presentaron el proyecto D/C y convocatoria para taller.

OPINIÓN

Uno de los fenómenos más interesantes que se observan por todos lados en la práctica artística actual es la proliferación de espacios, instituciones, eventos y proyectos bajo la iniciativa de artistas, curadores y otros agentes culturales.
Muy ligados al contexto local, suelen no obstante poseer una mentalidad internacional, construyendo espacios para la circulación global del arte alternativos a las bienales y otras muestras institucionales, aunque también participen en ellas si llega el caso. Pueden tener corta o larga vida, pueden evolucionar en sus filosofías y programas, pero son quizás los lugares más importantes donde sucede hoy el arte en virtud de su precariedad misma, que garantiza un mayor desembarazo y libertad.
“De la adversidad vivimos”, decía Helio Oiticica…
Argentina es uno de los mejores ejemplos, sobre todo por la manera como estos proyectos han contribuido a romper la megalocefalia bonaerense, desarrollando focos de acción a lo largo del país. A los muy plausibles proyectos que han tenido lugar allí se ha sumado Demolición/Construcción, en Córdoba.
Tiene la muy adecuada virtud de responder a un hecho urbano local: el auge en la construcción, que ha significado la demolición numerosa de viejas casas. La idea es aprovechar los inmuebles condenados como espacios de eventos artísticos que exploren simbólicamente la dialéctica demoler/construir, que, dada la historia argentina reciente, podría tener amplias y muy agudas implicaciones. Si las relaciones entre arte y arquitectura suelen ocurrir en los momentos de proyecto y construcción, en este caso tienen lugar de forma insólita, creativa, humilde, en la etapa que conduce a la demolición, donde se potencia la carga histórica, subjetiva podríamos decir, de los edificios.
Demolición/Construcción se abre a todo tipo de prácticas contemporáneas y posee una dimensión anti-localista, al presentar en Córdoba artistas de otras latitudes. Su vinculación de arte, arquitectura, situación local y perspectiva internacional me parece ejemplar.
Gerardo Mosquera (Oct. 2008)

Gerardo Mosquera (La Habana, 1945). Reside en La Habana. Crítico, curador e historiador de arte independiente. Curador adjunto del New Museum of Contemporary Art, Nueva York. Asesor de la Academia de Bellas Artes del Estado de Holanda. Miembro de los consejos editoriales de las revistas Art Nexus, Atlántica, Calabar, Ideas & Ensaios, Nka y Third Text. Fundador de la Bienal de La Habana y miembro del equipo organizador de las 3 primeras ediciones: 1984, 1986 y 1989.

Entre sus exposiciones: “States of Exchange”, INIVA, Londres, 2008; “La cuadratura del Cono. Border Jam”, Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal Juan Manuel Blanes, Centro Cultural de España, Museo y Archivo Histórico Municipal (Cabildo), espacio público, Montevideo, 2007; “Transpacífico. Un encuentro en Santiago”, Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago de Chile, 2007; Liverpool Biennial International 2006; “Cordially Invited”, BAK y Museo Central de Utrecht, 2004; “Panorama da Arte Brasileira (Desarrumado). 19 Desarranjos”, Museu da Arte Moderna, Sao Paulo, 2003, Paço Imperial, Río de Janeiro, 2003, Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhaes, Recife, 2004, MARCO, Vigo, 2005; “CiudadMúltipleCity. ArtePanamá 2003” (proyecto internacional de arte urbano); “Territorios ausentes”, Casa de América, Madrid, 2000; “No es sólo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo”, Centro Reina Sofía, Madrid, 2000; “Cildo Meireles”, New Museum, Nueva York, 1999; “Cinco continentes y una ciudad”, Museo de la Ciudad de México, 1998 y 2000; “Important & Exportant”, II Bienal de Johannesburg, 1997; “Wifredo Lam”, XXIII Bienal de Sao Paulo, 1996; “Ante América”, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, 1992, Museo Alejandro Otero, Caracas, 1993, Queens Museum, Nueva York, 1993, Centro Cultural de la Raza, San Diego, 1993, Yerbabuena Center for the Arts, San Francisco, 1994, Spencer Museum, University of Kansas, Lawrence, 1994, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, 1994; “Los Hijos de Guillermo Tell. Artistas Cubanos Contemporáneos”, Museo Alejandro Otero, Caracas, 1991, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, 1991; “The Nearest Edge of the World. Art and Cuba Now”, Massachusetts College of Art Main Gallery, Boston, 1990, The Bronx Museum of Art, Nueva York, 1991, Anderson Gallery, Virginia Commonwealth University, Richmond, 1991, The School of the Art Institute of Chicago, 1992, Nexus Contemporary Art Center, Atlanta, 1994, entre varios otros lugares en Estados Unidos; África dentro de Cuba: 6 Artistas, Museo Nacional de Antropología de Angola, Luanda, 1986, Núcleo de Arte, Maputo, 1986, Centro Wifredo Lam, La Habana, 1986.

Entre sus libros: Copiar el edén. Arte reciente en Chile (editor), Santiago, 2006; ciudadMULTIPLEcity. Urban Art and Global Cities: an Experiment in Context (co-editor), Amsterdam, 2005; Over Here. International Perspectives on Art and Culture (co-editor), Cambridge y Londres, 2004; Beyond the Fantastic. Contemporary Art Criticism from Latin America (editor), Londres, 1995; Contracandela, Caracas, 1995; Del pop al post (editor), La Habana, 1993; El diseño se definió en Octubre, La Habana, 1989, Bogotá, 1992.

Ha publicado más de 600 ensayos, artículos y comentarios en libros, catálogos y publicaciones periódicas de muchos países. Ha organizado y participado en numerosos simposios internacionales, y dictado conferencias y seminarios en universidades y otras instituciones de un centenar de ciudades. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990, el premio a los diez mejores libros publicados en Cuba ese mismo año, y el capítulo argentino de la Asociación Internacional de Críticos de Arte lo eligió en 1998 como crítico latinoamericano de más importante trayectoria (ex aequo con Paulo Herkenhoff).