diálogo con "cuerpo en venta"

ON / ON

Una pieza de arte es el resultado de un proceso de pensamiento, la “punta del iceberg” como dijo RES, en una charla con jóvenes creadores de diferentes disciplinas que estamos llevando a cabo en el CCEC desde el proyecto D/C.    Entonces una colección de piezas de arte en realidad está “recopilando pensamientos”. He oído a críticos importantes decir que si esta recopilación mantiene una coherencia (así como el proceso debe mantener con la obra), puede llamarse como tal, y da una identificación a la institución o al privado que adquieren dichas obras. Por eso es importante contar con un asesor o al menos tener sentido común y experiencia.                                                  En D/C coleccionamos diálogos, no importa el soporte o disciplina que coteje, si es o no un objeto, un escrito, una acción, etc. nos interesa el documento de la experiencia de confrontación y elaboración del concepto pedido: reconocer o determinar una demolición y a partir de ese acto construir algo nuevo, con las herramientas que sean… D/C es el testigo y testimonio, el “lugar mental” donde se reúnen autores para pensar en voz alta a través de su trabajo y ésto es documentado.


Al comprar como parte del proyecto la pieza “cuerpo en venta” de Soledad Sánchez Goldar, la intención es crear un nuevo diálogo sobre los temas ya propuestos, incluso por la misma autora.

“El dinero da poder” es una frase construida, para demolerla Soledad diseña esta obra y es responsable por la acción que propuso, de ninguna manera acepto que comprarla tenga que ver con hacernos cargo de la marca que tendrá de por vida en su cuerpo, tiene que ver con que esa “marca” ya es llevada, portada por ella desde antes, ahora decide “representarla” en el mismo lienzo que viene usando en los últimos años: su cuerpo. D/C paga para que se abra al diálogo, la pieza que propone presenta una clara concordancia con el requerimiento de determinar una demolición: “la esclavitud que genera la necesidad de dinero”. La construcción se produce en este caso por el rango de testimonio en su tiempo y lugar, al plantearlo en dicha feria. Por esta razón era necesario comprar y que se concretara el deseo de la autora: dar a conocer su fragilidad ante el mercado del arte (lo que no quiere decir que esto le impida hacer su obra como ella considera apropiada)  y si nos tomamos la molestia de ir bajo agua, podremos obtener más información sobre el glaciar de donde este iceberg se desprendió para intentar tomar control de su propio camino a través de la acción y otros soportes.


Ahora estas marcas, lo que estos puntos rojos representan, se hicieron disponibles para ser pensadas. (no es poco lo que hemos comprado!)                    

Todo acto realizado es una marca de por vida, más o menos visible…

El artista al hacer de esto su medio de conocimiento y aprehensión de la realidad, opta por hacerlos visibles en el lugar que considere necesario, piensa y elige el soporte adecuado: entonces, sin duda construye una obra que merece ser respetada ya que nos proporciona nada menos que: un espejo (asible con lo que el espectador o el mercado puedan tomar para sí y completar su sentido).                                             

Graciela De Oliveira






                        

fotografías Sandra Siviero


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extractos de LO QUE SE DIJO EN LOS MEDIOS:

Opinión a la inauguración de ArteBA, por Mariana Oybin

“Puedo dar una vuelta en bici?, pregunta una mujer. “¡Quién lo diría: pedalear en arteBA!” Se la ve feliz con la propuesta que ofrece Bicicleta Costa Duchamp, de la galería Henrique Faría de Caracas. Y ahí nomás se sube a una de las treinta bicicletas diseñadas por Eduardo Costa, artista de la camada del Di Tella, que ideó la performance-instalación en 1979, a partir de la rueda Duchampiana. Muchos se suman con satisfacción y se convierten en protagonistas de la obra. 



Y no es todo. En la Galería Animal, Soledad Sánchez ofrece a la venta su propio cuerpo. Sí, nada menos. La artista transforma su piel en un lienzo, en el que se tatúan pequeños círculos rojos, como los que utilizan las galerías para señalar las obras vendidas. Quien quiera que la tatúen, tendrá que pagar 1.000 dólares. ¿Qué compra? El simbólico acto de participar en la performance. “La obra -dice la artista, que actualmente vive en Córdoba- habla del mercado del arte, del poder del dinero, y del poder que ejerce una persona sobre otra”. Y se pregunta: “¿Alguien compraría una idea? ¿Quién puede adquirir una pieza que no puede llevarse a su casa, que no puede exhibir ni re vender?”. Por ahora, nadie compró la intangible obra: “A mucha gente le da impresión pagar para que me hagan una marca en el cuerpo”, dice. Veremos si alguien se anima…”

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Fotografía de Ilze Petrone


opinión: VERÓNICA MOLAS:

“…Un coleccionista que paga por una obra que no se llevará a su casa, ¿qué clase de coleccionismo practica? Además de presentarse como una propuesta provocadora, Cuerpo en venta o efecto varicela, obra que la cordobesa Soledad Sánchez Goldar presentó en el stand de la galería chilena Animal durante la feria arteBA, cuestiona el rol del coleccionismo y se ubica muy cerca de una invitación al mecenazgo. 

La acción propuesta por la artista en arteBA, que es principalmente un escenario de intercambio de objetos de arte, consistía en vender la mencionada performance. ¿Cómo? Al sellarse la transacción (cuando un coleccionista decidía pagar los mil dólares que costaba la performance), la artista se tatuaría un círculo rojo en su cuerpo. Y el martes, tal cosa sucedió. Y por partida doble. 

Desde Animal, le avisaron a la artista que había dos compradores interesados en “adquirir” (según esta modalidad, de pagar por un acto de performance) Cuerpo en venta o efecto varicela, obra que forma parte de un proyecto que la artista viene realizando, compuesto por sucesivas acciones con tatuajes en las cuales utiliza su cuerpo como espacio de memoria, como un lienzo en el cual se dibuja su historia personal y familiar. 

Entre las 18 y las 20 del martes, Sánchez Goldar se tatuó dos círculos rojos en su cuerpo. Los tatuajes fueron practicados por Juan Pablo Deverill. Mientras, Ilze Petroni y Sandra Siviero documentaron la performance. 

Acto simbólico. Para la artista, Cuerpo en venta o efecto varicela es un acto simbólico. La idea es, concretamente, vender partes de su cuerpo para ser marcadas con el pequeño círculo rojo que utilizan las galerías para comunicar que una pieza fue vendida. El círculo tatuado no podrá ser removido de la piel, explica Soledad. Ella llevará para siempre la marca. 

La intención de Sánchez Goldar era hablar de la maquinaria del mercado del arte a través de un lenguaje que no entra dentro del mercado del arte local, como la performance. Y también meterse con el coleccionismo, el dinero y el poder. 
Muchas preguntas movilizaron a Sánchez Goldar, inquietudes que en la Web estallaron como polémica entre sus colegas: ¿qué motiva a los artistas a intentar entrar en el circuito del arte?, ¿qué motiva a los coleccionistas a adquirir obras de arte? 
A la artista también le intrigaba saber si alguien compraría una obra que no es tangible, si alguien compraría una idea, quién se decidiría a adquirir una pieza que no puede llevarse a su casa, que no puede exhibir ni volver a vender. 

La decisión de uno de los compradores abre al menos una perspectiva diferente respecto al coleccionismo tal cual lo entendemos hoy: el proyecto “Demolición/Construcción” (idea de Graciela De Oliveira) “adquirió” una de las performances. 
Si esta adquisición diferente es realizada desde el marco de un proyecto artístico, que es también intangible, que trabaja sobre procesos y no sobre objetos, el resultado de Cuerpo en venta o efecto varicela ya es más que interesante…” 

dialogo: Marcela Astorga y Nicolás Balangero


Hola Marcela, cómo estás? Mi nombre es Nicolás Balangero, soy de Córdoba, el año pasado estuve trabajando en el acondicionamiento de la casa para la primera presentación de demolición/construcción. Un tiempo después Graciela vio algunos dibujos míos y me invitó a participar en la próxima presentación. Hace unos días me propuso que te envíe algunas preguntas para que entablemos un diálogo.

Me cuesta enviarte tres preguntas relacionadas a tu obra en este primer contacto. Antes quisiera saber algo de vos, lo que te parezca importante que conozca para entender cómo llegás a tu actual forma de trabajo.
Bueno, saludos,
Nicolás



Primero, voy a intentar contestarte tu pregunta.

Hacen muchos años que me dedico a esto y por lo tanto, como es lógico para mí, la manera de producir ha ido cambiando. Ya que pienso que el cómo hacemos y lo qué hacemos está asociado a nuestra experiencia, necesidades, deseos, cuestionamientos …etc. Y por lo tanto la búsqueda se va modificando, siempre y cuando esté presente la libertad.

Si achicamos el espectro y hacemos foco en D/C, te cuento que algunas de las cordenadas fueron que me interesó muchísimo el proyecto, tanto como para engancharme a trabajar en grupo cosa que no me resulta fácil.

Otra que entre mis intereses está el tema de la Construcción: cómo se construye un país, una personalidad, un vínculo, una casa, una identidad, una familia, una obra…Cuánto de violencia y de descuidos hay en esas construcciones y como tengo siempre la premisa de mejorar ,creo que es necesario tener memoria.

Otra variable fue el deseo de cambio en mi producción y pensé que el trabajo en grupo era una posibilidad. Y mucho más éste en dónde había absoluta libertad de hacer, más un marco de pensamiento que tenía que ver con mi búsqueda.

Mi encuentro con D/C es un buen ejemplo de cómo llego a mi producción: estaba con grandes cuestionamientos acerca de mi manera de generar imágenes, se produce de algún modo una ruptura (que me tiene muy entusiasmada ) ya que es la primera vez que realizaré una acción y un video. Hasta aquí no había entrado en juego el tema del tiempo en mi trabajo y lo deseaba.

Estoy acostumbrada a construir imágenes “estáticas”, a trabajar con otra materialidad y quería “contar”, no sé si es la mejor palabra, en secuencias.

Resumiendo, construyo mi trabajo más ó menos en este esquema: ando, miro, siento, pienso, etc.; entro en crisis, busco, miro, pienso, entre otra cosas; y hasta aquí por suerte me encuentro o me encuentra una idea que para mi universo es nueva. Lo que no cambia son las cosas que me interesan de la vida, cambia el lugar donde me paro.

 

Y vos? Cómo llegás a tu producción?

Por qué está tan presente la escritura?

  

Marcela, te cuento, creo que mi forma de producir surge del error, de haber hecho algunas cosas mal y querer corregirlas. Empieza así un proceso de transformación bastante extendido. Eso me lleva a utilizar distintos lenguajes, entre ellos la palabra escrita, de ahí que esté tan presente; si bien mi formación es visual (en pintura más precisamente) hay momentos en que no sé cómo usar las imágenes. Ahora me está surgiendo la necesidad de usar sonidos, música. También he realizado algunos videos, pero contrariamente a lo que vos buscás en el video, creo que en mi caso éstos expresan el tiempo tanto como las imágenes “estáticas”.

La idea de construcción también me interesa, me gusta pensar la obra como la construcción de un puente que permite que dos o más personas se encuentren. Ahí también hay movimiento y tiempo.

Respecto a lo que escribiste en tu correo, me quedó dando vueltas la palabra libertad. Me gustaría saber en qué sentido la utilizás, ya que siempre estamos condicionados por algo al pensar una obra, ya sea por el espacio físico, el tiempo, el público, uno mismo, no? A veces pienso que los artistas pueden hacer lo que quieren, pero luego me doy cuenta que los límites están bien marcados y no son mucho más libres que las personas no-artistas, por llamarlas de alguna manera.

Relacionado a eso me gustaría saber…  Producís diariamente o cuando surge alguna posibilidad de muestra y teniendo en cuenta el lugar? Comercializás tus obras?

Bueno, te mando un beso

nico

 

Hola Nicolás:

Hablo de la libertad que uno se da, obviamente dentro de todos los condicionanates sociales.

pOr lo general, no voy al taller todos los días, sólo cuando tengo fechas.

esto no ha sido siempre así, ya que en un principio sí lo hacía…pero uno y las cosas se van moviendo,por suerte.

 Siempre tengo en cuenta el espacio, trabajo con volúmenes y me apasiona el espacio.

Sí ,comercializo la obra.

Me gustaría ver algo de lo que vas a presentar. tenés imágenes? las hiciste para la presentación o son cosas que ya tenías? me las podes mandar?

un beso

 

Lo que voy a presentar son dibujos que surgieron hace 15 o 20 años y retomé en 2007, ahí se ve lo que te contaba en mi correo anterior de la importancia del tiempo para mí, de que la pieza no se construya en un único momento (adjunto algunas imágenes). A mí me gusta pensar en todas las cosas como potenciales herramientas para expresar ideas, es por eso que diría que todos los días trabajo en la obra, si bien no siempre en el taller. Generalmente hago y luego, cuando surge una posibilidad de exposición, decido qué es apropiado presentar y en qué forma. Algunas veces también he generado cosas específicas.

Bueno, no sé cómo te parece que sigamos… yo pienso que si Graciela va a extraer de nuestro diálogo algunas partes para publicar, podríamos ponernos algunos temas para tratar y ver cómo éstos determinan nuestros procesos. O decime si se te ocurre alguna otra modalidad.

Saludos.

 

 

Hola Nicolás:

No veo bien en las imágenes lo que me decis del tiempo que pasó desde, que empezaste el dibujo hasta que lo retomaste. Quizas se vea en directo y en ese caso, esto que te estoy diciendo no tendría sentido.

 

Cómo trabajas el tiempo desde las imágenes? te lo pregunto porque me parece que no es un elemento que le pertenezca a la imagen. No ocurre esto en el video, ni en la música, en dónde es un elemento constitutivo, las dos lo necesitan.

Tambien me gustaría saber cuáles fueron los motivos que te llevaron a elegir estos dibujos para mostrar en D/C?

 

A mí me parece bueno que dialoguemos a partir de las imágenes que producimos.

Y cómo esas imágenes responden o no (pueden ir más allá, en el mejor de los casos. Responden y además tienen un plus) a los intereses personales.

Este es el proceso que me interesa.

 

Con respecto a Graciela, pensé en que, si estas de acuerdo, reenviarle estos e-mails.

Si te parece, tratemos de ir escribiéndonos respondiendo, para que quede todo junto.

un beso

marcela

 

Hola Marcela, creo que pensar que en una imagen no hay tiempo es como pensar que en la música no hay imágenes. O que en una cara dormida no hay tiempo. El tiempo hace su trabajo indefectiblemente sobre todas las cosas y las imágenes no son una excepción. En este sentido, todo “tiene” tiempo. Eso es lo que yo creo y lo intento explotar. Será que lo que hago no es fruto de instantes de inspiración sino de largos procesos.

Una vez leí algo así (seguramente lo diré con menos encanto y algo transformado, pero no recuerdo dónde lo leí): si uno viaja en un colectivo y ve una fecha escrita en una pared (pongamos por caso 2009) esto posiblemente no significará mucho. Pero con el correr de los viajes el significado de ese número se irá transformando. Al cabo de 20 años quizá sea algo hermoso.

Al fin y al cabo, un video es una sucesión de imágenes “estáticas”. Hace unos días releí una entrevista a Gabriel Orozco en la que dice que el problema que él tiene con el video es que es muy estático, el que lo ve tiene que quedarse quieto lo que éste dure. También decía que usar video y pensar que por eso se está expresando el movimiento y el tiempo se le hace ingenuo. Es una buena reflexión. Es más interesante generar un movimiento (en un sentido amplio de la palabra) en el que recepta la obra.

Respondiendo a tu pregunta de cómo elegí estos dibujos para D/C, fue una propuesta de Graciela que yo acepté. Tengo algunas otras propuestas y proyectos que considero un conjunto de movimientos que van para el mismo lado y busco la forma que mi obra aporte al sentido de la muestra tanto que la muestra le aporte al sentido de mi obra. Analizando todo esto fue que tomé la decisión. Me parece que será mejor que los veas en directo a los dibujos porque no me gustaría tener que explicarlos.

Podemos hablar a partir de las imágenes que hacemos y a través de ellas. Hay muchas formas de dialogar en el arte. Es algo de lo bueno que tiene. También podemos hablar a pesar de las imágenes, olvidándonos momentáneamente de ellas, sin ellas (como me dijo justamente ayer una amiga) o a partir de las imágenes que no supimos hacer.

Bueno, a mí también me gustaría ver lo que vas a presentar en D/C, me lo enviás?

Beso

  

Nicolás:

Coincido con Orozco. No tengo paciencia para ver videos en un show. Y el video no es para expresar tiempo y movimiento.

Un medio no expresa nada per se.

Pero cada medio tiene elementos que lo constituyen. Por ejemplo, en el video el  tiempo es uno de sus componentes.

No es el tiempo, ni el movimiento,  una preocupación personal. Hablé de él, en tanto y en cuanto aparece constituyendo la acción, no como idea que me interese.

 

En todo caso, me parece que hay que preguntarse si el medio que uno está utilizando es el mejor para resolver el “problema”, no?.

Quizás, no me expresé bien en mi e-mail anterior pero, era de esto sobre lo que hablaba.

 

Estoy de acuerdo con vos en que hablamos a través de las imágenes que hacemos. Y podemos entonces, hablar a partir de ellas.

Ahora, yo a mi receptor lo “dejo” que vea lo que pueda y quiera.

Doy la menor información posible sobre la idea, ya que creo que eso cierra las posibles “lecturas”.

 

A propósito, te interesa el espectador? Cómo?. Tenés en cuenta a la hora de producir al que va a observar el trabajo?

 

No me contestaste si te parece bien que le reenviemos este diálogo a Graciela, estás de acuerdo?

 

Te envío bocetos del proyecto para D/C, no creo que te digan mucho ya que son imágenes estáticas y lo que voy a hacer es una acción y un video…. en dónde me interesa accionar sobre el lugar para generar diferentes situaciones visuales y sonoras.

 

 

 

Sí, seguro que me interesa el espectador, o mejor dicho, me interesan algunas personas, sobre todo aquellas que no esperan ser sorprendidas a primera vista sino que cruzan una experiencia con lo que ven, y a veces hasta terminan sorprendiéndose. Obviamente uno no puede pensar en hacer algo que sea para todos, entonces esa es la gente que más me interesa. Siempre intento ponerme en el lugar de determinadas personas (cosa imposible claro) y me imagino qué pensarían frente a algo que hice. Después, por suerte, eso no sucede, pero me parece un buen ejercicio para pensar.

Mis trabajos le “hablan” a alguien en particular, no a la humanidad ni a mucha gente, sino a alguien. Creo que tiene que ver con mi forma de ser, me cuesta hablar a grupos numerosos, me siento mejor con poca gente o con personas solas.

A veces también hago esfuerzos para acercar la producción a los que no tienen contactos con el arte, como amigos de otros ámbitos o desconocidos en la calle, pero es bastante difícil.

Coincido con vos en que los medios no expresan nada per se, y en que hay que buscar el adecuado para cada cosa. Yo tampoco tengo una preocupación por expresar el tiempo ni el movimiento, pero a medida que busco algo, el tiempo va pasando y las cosas se van moviendo, y eso quiero que se note en el trabajo.

Estuve releyendo tus primeros mails, y me gustaría que me cuentes un poco más (si querés) acerca de la libertad como algo que uno se da, algo que a mí me cuesta mucho pensar. A veces siento que no sólo están los condicionantes sociales, sino que la obra misma va diciéndome lo que tengo que hacer, y no sé si eso es bueno, malo o simplemente tiene que ser así. No es que sufro cuando hago cosas relacionadas al arte, lo disfruto mucho, y aunque es algo que elegí, me pregunto si ahora lo estoy haciendo libremente.

Me parece bien mandarle todo a Graciela, tal vez haya que proponerle que el material tenga algún tipo de edición, después vemos

 

  

 

Hola!

De acuerdo, editemos.

Pero no mucho, sí? démonos libertad, relajemos.

Lo que hemos dicho acá es lo que pensamos. Podremos arreglar comas y usar sinónimos en el caso que hayamos repetido mucho pero,….

 

La LIBERTAD así, es utopía, para mí. Desde el momento que somos seres sociables (algunos más, otros menos).

 

Yo te había dicho que la búsqueda se va modificando siempre y cuando esté presente la libertad, no?

Me refería a lo que uno se permite ó no. A lo que uno está dispuesto a ceder ó no.

A cuánta fidelidad, responsabilidad ( capaz de darse respuesta) se tiene consigo.

En este caso, en el de la búsqueda mía con el trabajo,  me permito, me doy  la libertad (por lo menos cuando me distraigo,Ja!) de seguir buscando otras maneras de seguir “diciendo’.

Decir lo mismo o mirar lo mismo, pero desde otro lugar. No soy aquella de hace 15 ó 20 años atrás y no pienso , ni siento, ni veo, ni digo las cosas de la misma manera, entonces por qué debería seguir haciéndolo igual?.

No me alcanza con que sea una producción medianamente aceptada, reconocida, bla, bla, para seguir sosteniéndola. No, no me alcanza.

El reconocimiento, los logros en una supuesta carrera, me dan alegría pero muchísimo más me la da el saber que soy capaz de darme libertad para hacer y decir lo que hoy mejor me espeja.

 

A eso me refería.

No quiero fórmulas.

Cuando me encuentro con que 2+2=4, que 1+1+1+1=4…por lo menos me aburre.

Me “alimento” de la praxis. Del ir viendo y mirando.

Me encanta ese momento “mágico” que se da cuando aparece una imagen que me pertenece, que me ayuda a seguir con mi discurso visual. Y hablo de magia, de luz pero no por inspiración, sino porque se da cuando he venido trabajando sin orden, a oscuras, con tormentas, sin concentración y con ella…

Sin ser totalmente consciente.

Y aparece mostrando todo o casi todo lo que yo he venido viendo, pensando y sintiendo.

Por supuesto, que si hay un espectador que pueda ver esto y más …mi alegría es GRANDE.

 

A mí lo que me va modificando  algunas decisiones es el material y es lógico. Y creo que debe ser así.

Me dedico a lo visual y ése es mi desafío: resolver la imagen con sus problemáticas: color, forma, texturas, medio, material, medidas, etc.

 Bueno Nicolás, he intentado responderte…no tenés idea del esfuerzo que es para mí, escribir con una narrativa lógica, las palabras no son mi material y menos las escritas…..cada uno es…

Hasta pronto!

 Hola Marcela, me parece que estaría bien mandarle hasta aquí a Graciela, para que no haga algo muy extenso. A no ser que vos quieras preguntarme o contarme alguna otra cosa. En todo caso podemos seguir hablando por fuera de lo que se va publicar. Decime si estás de acuerdo.

Un beso

 

Sí, ya está, Nico.

Nos veremos pronto.

un beso

marcela

 

Presentación de D/C en centro cultural España Córdoba

18 de Marzo 2009
                                           
Luego de la acción de Marcela Astorga, “óculo”   y muestra de “dibujos borrados” de Nicolás Balangero en 12 de Octubre 433, se presentaron en las salas del CCEC las piezas de Graciela Sacco, “¿cuánto es un metro cuadrado de pensamiento?” y de Luis González Palma, “vanidad”, ambas piezas realizadas con apropiación del los cables de electricidad retirados de esta misma casa que veníamos trabajando como objeto de intervención. 
Esta presentación tuvo como fin mostrar la dinámica de trabajo en D/C, enfocada en que los participantes logren hacer su proyecto con el apoyo del grupo y entre todos los involucrados generar un diálogo que sin duda será una muestra en menor escala del trabajo que todos hacemos para construir la realidad en la que vivimos.

      

Acto seguido hicimos una reunión abierta al público para presentar el proyecto D/C en sociedad, responder preguntas y convocar a jóvenes autores a participar en el taller interdisciplinario que coordinaremos desde el CCEC. 
Programa e inscripción en:
Sitio Web de demolición/contrucción:
(dudas y más preguntas: demolicionconstruccion@gmail.com)
       
La presentación estuvo a cargo de nuestro asesor Gerardo Mosquera, coordinadora Graciela De Oliveira y colaboradores de lujo: Luis González Palma, Graciela Sacco y Marcela Astorga, amigos y público que se acercó.
   
Gracias a todos por la participación!

REFLEXIÓN: demolición y arquitectura

“…estamos condenados a vivir en la melancolía porque estamos condenados a vivir en la memoria. Y si estamos condenados a vivir en la memoria, no se puede hablar de los muertos como un concepto general. Sólo puede hablarse de los propios muertos. La muerte, en el sentido último del término, debe ser una experiencia privada, particular. Para llorar a los muertos ajenos hay que hacerlos propios, hay que saber amarlos…”

(Estrella de Diego “lo que no se logra escribir” citando a Haverkamp)



Graciela De Oliveira:

Mientras más pensamos en las acciones de demoler y construir… pareciera que en la arquitectura es más fácil de dilucidar los síntomas de demolición cultural, visibles en la trasformación que van sufriendo las ciudades de Latinoamérica en general… Córdoba es un ejemplo, en su centro y alrededores de lo que fue hace pocos años, solos van quedando los considerados monumentos arquitectónicos, algunos con intervenciones “estéticas” que han cambiado para siempre su personalidad y han dejado de ser ese objeto único de la memoria colectiva en la historia de la arquitectura.

Hablamos de la casa tal de que se demolió y tal otra, y tantos ejemplos tipológicos que fueron referentes vivos en nuestra época de estudiantes, murieron!

No fueron llorados. ¿Acaso no son nuestros muertos?

¿Son nuestros los nuevos edificios que están ahora en su lugar?

¿Representan la arquitectura contemporánea Argentina, la identidad Cordobesa, la realidad social, la memoria urbana, el arte como pensamiento?

¿Qué fin político hay en el desarrollo urbano de nuestra ciudad?

¿Será la construcción indiscriminada inevitable, como la natalidad elevada en los sectores más carenciados, vienen a compensar la escasez cultural, para ser lo único que podemos “tener” a nivel simbólico?

¿Es la arquitectura un objeto con un fin concreto, y por ello limitado en el tiempo?

¿Es la obra de arte un objeto sin un fin, y por ello permanece como patrimonio cultural?

Soledad Sánchez Goldar:

modos de parar una demolición:
Juntar firmas con los vecinos pidiendo que no tiren abajo el edificio en cuestión, alegando que es patrimonio arquitectónico y patrimonio cultural del barrio, caben tres posibilidades: que lo tiren abajo y construyan un edificio con interiores de durlock y habitaciones de 1×1, que envíen a patovicas para desalentar a los vecinos que quieren parar la demolición, o que afortunadamente no tiren el edificio en cuestión y tiren el de al lado.
Presentar un proyecto de ley a la legislatura que realmente proteja el patrimonio arquitectónico, el proyecto se presentaría con algún legislador de un partido de izquierda y sería vetado por el resto de los legisladores que tienen acciones en empresas constructoras.
Encadenarse al edifico en cuestión, llamar a cadena 3 y todos los medios televisivos de la ciudad, algún vecino se apiadará del loco en cuestión y le alcanzará algún sandwichito, algún otro dirá que bueno que alguien está en contra de esta destrucción masiva de la arquitectura de la ciudad, otros dirán que edificios nuevos es progreso y llegará la policía a llevarse al loco atado o en su defecto patovicas enviados por la empresa constructora intentarán desalentar al pobre vecino en cuestión que desesperado intentó parar que tiren la única casa art decó que quedaba en la cuadra.
En este sistema monetario no se me ocurre que pase otra cosa más que la destrucción en pos de generar más dinero, sin importar nada, a costa de todo y todos. la arquitectura es un ejemplo, el suelo dónde cultivamos es otro, la contaminación es otra y un enorme etcétera.



"PROCESO" autores hablan de su obra para D/C

 

MARCELA ASTORGA:”óculo”
Este proyecto está basado en el concepto de demolición y construcción.
Crisis y cambios. Derrumbes y surgimientos.
Mutaciones.
Movimientos, transformaciones de paisajes: internos, externos, urbanos, sociales…

…Me interesa la acción absurda de romper un techo, aunque generada por un acto con cierta violencia, tiene como fin iluminar y cambiar.

GRACIELA SACCO:

“¿cuánto es un metro cuadrado de pensamiento?”
Demolición / Construcción
En que se transforma una casa cuando se muere?

 

LUIS GONZALEZ PALMA. “Vanidad”

La idea del proyecto es una reflexión sobre el estado transitorio de las cosas, sobre la consciencia del origen de los objetos y la potencialidad de transformación de los elementos que nos rodean. A grandes rasgos propongo la creación de una especie de naturaleza muerta. La transformación de un objeto cotidiano en otro, pero simbólico. Objeto cargado de dos historias: la mía misma y la de una casa que sufre un proceso de destrucción y transformación total.

 

 

NICOLAS BALANGERO: “dibujos borrados”

 
Lo que voy a presentar son dibujos que surgieron hace 15 o 20 años y retomé en 2007, ahí se ve lo que te contaba en mi correo anterior de la importancia del tiempo para mí, de que la pieza no se construya en un único momento (adjunto algunas imágenes). A mí me gusta pensar en todas las cosas como potenciales herramientas para expresar ideas, es por eso que diría que todos los días trabajo en la obra, si bien no siempre en el taller. 
 
Generalmente hago y luego, cuando surge una posibilidad de exposición, decido qué es apropiado presentar y en qué forma. Algunas veces también he generado cosas específicas.
 
 
 

 

 

IRENE KOPELMAN: “propuesta para D/C”(proyecto en proceso)
Lo mas llamativo de la casa de ‘12 de octubre 433’ es que es simplemente una casa, ubicada en un barrio que es simplemente un barrio. La casa no tiene rasgos sobresalientes, al menos a primera vista, espacialmente es una casa como podría haber sido cualquier otra casa en un barrio de Córdoba.
Sin embargo al entrar a la casa
uno presiente una historia.
…podría ser, de vuelta, cualquier historia; una familia que tuvo que irse rápidamente y dejo el espacio allí cayéndose a pedazos, alguien que murió allí solo, cualquier historia. Lo primero que ocurre al entrar allí es intentar reconstruir esa historia, encontrar rastros que la develen ¿cuales fueron los últimos momentos en esa casa? ¿son los objetos en el espacio ras

tros de esos momentos? Unas bolas de goma rojas en el piso del patio, un cuarto lleno de electrodomésticos inservibles, una pila enorme de diarios cortados al lado del asador. Encontrar la evidencia material e intentar decodificarla. ¿Por que nadie se llevo todos esos electrodomésticos? ¿Quien tiro esas bolitas rojas en el piso y las dejo allí tiradas? Cada pieza, cada objeto tiene potencialmente significado para develar la historia. Las piedritas en cada escalón que sube a la terraza… ¿alguien las puso? ¿Responden a algún orden?Recorrer la casa intentando reconstruir su historia, en el sitio y momento actuales e intentar vincularlo a su pasado es de alguna manera transitar ese pasado, es tratar la casa como sitio arqueológico donde cada cosa y cada objeto cobran sentido a los fines de conectar el rompecabezas de la trama histórica.En esta ‘investigación de campo’ por la casa en búsqueda de material arqueológico encontré en la terraza una pieza mural de pintura asfáltica en cuya superficie el tiempo había dejado trazos. Quisiera tratar dichos trazos como reliquias, como material tangible de un pasado ya perdido.

 

GERARDO MOSQUERA, asesor de D/C en Córdoba

Gerardo Mosquera
17 de marzo 2009 19:30 hs en CCEC
dio una conferecia mostrando su trabajo como curador.
18 de marzo 20:30 hs.en CCEC
Mesa redonda con G. Sacco, M. Astorga y D/C
Presentaron el proyecto D/C y convocatoria para taller.

OPINIÓN

Uno de los fenómenos más interesantes que se observan por todos lados en la práctica artística actual es la proliferación de espacios, instituciones, eventos y proyectos bajo la iniciativa de artistas, curadores y otros agentes culturales.
Muy ligados al contexto local, suelen no obstante poseer una mentalidad internacional, construyendo espacios para la circulación global del arte alternativos a las bienales y otras muestras institucionales, aunque también participen en ellas si llega el caso. Pueden tener corta o larga vida, pueden evolucionar en sus filosofías y programas, pero son quizás los lugares más importantes donde sucede hoy el arte en virtud de su precariedad misma, que garantiza un mayor desembarazo y libertad.
“De la adversidad vivimos”, decía Helio Oiticica…
Argentina es uno de los mejores ejemplos, sobre todo por la manera como estos proyectos han contribuido a romper la megalocefalia bonaerense, desarrollando focos de acción a lo largo del país. A los muy plausibles proyectos que han tenido lugar allí se ha sumado Demolición/Construcción, en Córdoba.
Tiene la muy adecuada virtud de responder a un hecho urbano local: el auge en la construcción, que ha significado la demolición numerosa de viejas casas. La idea es aprovechar los inmuebles condenados como espacios de eventos artísticos que exploren simbólicamente la dialéctica demoler/construir, que, dada la historia argentina reciente, podría tener amplias y muy agudas implicaciones. Si las relaciones entre arte y arquitectura suelen ocurrir en los momentos de proyecto y construcción, en este caso tienen lugar de forma insólita, creativa, humilde, en la etapa que conduce a la demolición, donde se potencia la carga histórica, subjetiva podríamos decir, de los edificios.
Demolición/Construcción se abre a todo tipo de prácticas contemporáneas y posee una dimensión anti-localista, al presentar en Córdoba artistas de otras latitudes. Su vinculación de arte, arquitectura, situación local y perspectiva internacional me parece ejemplar.
Gerardo Mosquera (Oct. 2008)

Gerardo Mosquera (La Habana, 1945). Reside en La Habana. Crítico, curador e historiador de arte independiente. Curador adjunto del New Museum of Contemporary Art, Nueva York. Asesor de la Academia de Bellas Artes del Estado de Holanda. Miembro de los consejos editoriales de las revistas Art Nexus, Atlántica, Calabar, Ideas & Ensaios, Nka y Third Text. Fundador de la Bienal de La Habana y miembro del equipo organizador de las 3 primeras ediciones: 1984, 1986 y 1989.

Entre sus exposiciones: “States of Exchange”, INIVA, Londres, 2008; “La cuadratura del Cono. Border Jam”, Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal Juan Manuel Blanes, Centro Cultural de España, Museo y Archivo Histórico Municipal (Cabildo), espacio público, Montevideo, 2007; “Transpacífico. Un encuentro en Santiago”, Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago de Chile, 2007; Liverpool Biennial International 2006; “Cordially Invited”, BAK y Museo Central de Utrecht, 2004; “Panorama da Arte Brasileira (Desarrumado). 19 Desarranjos”, Museu da Arte Moderna, Sao Paulo, 2003, Paço Imperial, Río de Janeiro, 2003, Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhaes, Recife, 2004, MARCO, Vigo, 2005; “CiudadMúltipleCity. ArtePanamá 2003” (proyecto internacional de arte urbano); “Territorios ausentes”, Casa de América, Madrid, 2000; “No es sólo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo”, Centro Reina Sofía, Madrid, 2000; “Cildo Meireles”, New Museum, Nueva York, 1999; “Cinco continentes y una ciudad”, Museo de la Ciudad de México, 1998 y 2000; “Important & Exportant”, II Bienal de Johannesburg, 1997; “Wifredo Lam”, XXIII Bienal de Sao Paulo, 1996; “Ante América”, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, 1992, Museo Alejandro Otero, Caracas, 1993, Queens Museum, Nueva York, 1993, Centro Cultural de la Raza, San Diego, 1993, Yerbabuena Center for the Arts, San Francisco, 1994, Spencer Museum, University of Kansas, Lawrence, 1994, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, 1994; “Los Hijos de Guillermo Tell. Artistas Cubanos Contemporáneos”, Museo Alejandro Otero, Caracas, 1991, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, 1991; “The Nearest Edge of the World. Art and Cuba Now”, Massachusetts College of Art Main Gallery, Boston, 1990, The Bronx Museum of Art, Nueva York, 1991, Anderson Gallery, Virginia Commonwealth University, Richmond, 1991, The School of the Art Institute of Chicago, 1992, Nexus Contemporary Art Center, Atlanta, 1994, entre varios otros lugares en Estados Unidos; África dentro de Cuba: 6 Artistas, Museo Nacional de Antropología de Angola, Luanda, 1986, Núcleo de Arte, Maputo, 1986, Centro Wifredo Lam, La Habana, 1986.

Entre sus libros: Copiar el edén. Arte reciente en Chile (editor), Santiago, 2006; ciudadMULTIPLEcity. Urban Art and Global Cities: an Experiment in Context (co-editor), Amsterdam, 2005; Over Here. International Perspectives on Art and Culture (co-editor), Cambridge y Londres, 2004; Beyond the Fantastic. Contemporary Art Criticism from Latin America (editor), Londres, 1995; Contracandela, Caracas, 1995; Del pop al post (editor), La Habana, 1993; El diseño se definió en Octubre, La Habana, 1989, Bogotá, 1992.

Ha publicado más de 600 ensayos, artículos y comentarios en libros, catálogos y publicaciones periódicas de muchos países. Ha organizado y participado en numerosos simposios internacionales, y dictado conferencias y seminarios en universidades y otras instituciones de un centenar de ciudades. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990, el premio a los diez mejores libros publicados en Cuba ese mismo año, y el capítulo argentino de la Asociación Internacional de Críticos de Arte lo eligió en 1998 como crítico latinoamericano de más importante trayectoria (ex aequo con Paulo Herkenhoff).

REFERENTES y documentos del proceso (*) en nuestra memoria

Soporte teórico para la realización del “(*) en nuestra memoria”,

combinado con soporte práctico de trabajos necesarios para hacer posibles las “piezas” de los autores convocados.

(Fragmentos seleccionados por GDO)



Libertad

(D. W. Winnicott, 1969)



No puedo eludir la responsabilidad de volver a considerar la idea de libertad a la luz de los conceptos de salud y de creatividad, en los que insisto…..

Es bien sabido que las personas fuertes han señalado desde siempre que experimentaban un cierto sentimiento de libertad, que hasta podía reforzarse cuando padecían una constricción física. Ya mencioné el dicho bien conocido: “Murallas de piedra no hacen la cárcel, ni barrotes de hierro la jaula”…

Es cierto que muchos individuos cuyos logros fueron excepcionales que han cambiado el mundo o contribuido de modo notorio a su progreso no lo han hecho sin pagar un precio por ello, como si estuvieran en la frontera entre los que tienen” y “1os que no tienen”. Aquí se ve cómo su contribución excepcional nació de su desdicha o fueron impulsados por el sentimiento de una amenaza interna. Pero esto en nada modifica  el hecho de que hay en este dominio dos extremos, los que tienen en si lo necesario para realizarse y los que, en razón de falencias del ambiente en las primeras etapas de la vida, no pueden realizarse. Es de esperar que los segundos tengan rencores frente a los Primeros. El infeliz tratará de destruir la felicidad. Los que están presos de la rigidez de sus defensas trataran de destruir la libertad Los que no pueden gozar plenamente de su cuerpo tratarán de Impedir el goce del cuerpo aun entre sus propios hijos y por más que los quieran. Los que no pueden amar intentarán destruir con el cinismo la sencillez de una relación natural; y, más allá de toda frontera, los que están demasiado enfermos para tomar su desquite y se pasan la vida en el hospital psiquiátrico, transforman a los sanos en culpables de ser sanos, de ser libres de vivir en sociedad y de integrarse en la política local o mundial. Hay muchos modos de hablar del peligro para la libertad engendrado por la libertad. Aquellos que son bastante sanos y libres deben ser capaces de sostener el triunfo que implica su estado. Después de todo, sólo es la suerte la que les permitió gozar de buena salud….”


LIV ULLMANN (Japón, 1938)

“Senderos” (libro autobiográfico).

“como actriz mi materia es la vida, la que vivo y la que observo, sobre la que leo y la que escucho…

El cine, como cualquier arte, es comprendido y admirado por el espectador en la medida en que éste se reconozca en él”…. (artículo El País, 12-12-04)

ANDREI TARKOVSKI (Rusia 1932 – Paris 1986)

“Esculpir en el tiempo” (diario de trabajo)

MARCELO VIÑAR (Uruguauy)

Una mirada psicoanalítica sobre la tortura

(Artículo “Pedro o la demolición” publicado en su exilio en París en 1978)

“La demolición es la experiencia de derrumbe y de locura -metódica y científicamente inducida- que desplaza al individuo de su mundo amado e investido para ponerlo frente a un agujero siniestro lleno de la vergüenza, la humillación, la orina, el horror, el dolor, los excrementos, el cuerpo y los órganos mutilados. Todo ello se inscribe en un espacio vivido como inconmensurable y en un tiempo eterno, que tienen las características de la pesadilla y del espacio onírico”…

” Descentremos a Pedro y desde su lugar interroguemos los testigos como objeto de la cuestión. ¿Cómo resuena su historia en nosotros? ¿Nos es Lejana? ¿De qué lado de nuestra piel está? ¿Cuál es nuestra distancia de este drama?

La demolición es una encrucijada buscada y temible:

– para la práctica del torturador su eficacia se ve en la confesión y en la delación;

– para la estabilidad política de un régimen dictatorial es el camino según el cual, pasando por el pánico y el miedo, apuntan la parálisis de los grupos sociales hasta entonces vivos y activos;

– para los Pedros, es la tragedia que hemos tratado de relatar;

-para la sociedad implicada, su repercusión es de tal naturaleza que su comprensión con todas las dificultades que se plantean, constituye el núcleo esencial de esta investigación naciente.” (fragmento)

GERARDO MOSQUERA (La Habana 1945)

“Copiar el edén” arte reciente en Chile (2006)



KRZYSZTOF KIESLOWSKI (Varsovia 1941-1996)

Libro de Serafino Murri (1998)

“Más que de necesidad yo hablaría de esperanza, de la esperanza en que la comunicación sea posible. Como pesimista que soy, no tengo muchas esperanzas, pero de vez en cuando esta esperanza aflora en mi vida. Con respecto al azar, hay que decir que, por un lado, el azar es realmente azar, pero por otro lado, no lo es en absoluto. El azar es algo que hay que merecerse, que hay que ganarse con mediante duro trabajo. El azar en la vida es algo que hay que saber captar para poder extraer su beneficio, hay que saber crear las premisas para hacerlo salir de su estado de potencialidad. Es una regla general que gobierna todas las decisiones de nuestra vida. Por lo tanto, también la mía de dedicarme al cine”…

JULIA KRISTEVA (Bulgaria 1941 – vive en Francia)

“La revuelta íntima”

¿CUAL ES HOY, LA REVUELTA?

“Por otra parte, el universo de las mujeres me permite sugerir cierta alternativa para la sociedad robotizante y espectacular que hace polvo a la cultura revuelta: esa alternativa es, simplemente, la intimidad sensible. Poseídos por su sensibilidad y sus pasiones, ciertos seres continúan, empero haciéndose preguntas. Estoy persuadida de que, después de tantos proyectos y eslóganes más o menos razonables y prometedores lanzados en últimas décadas por el movimiento feminista, el arribo de las mujeres al primer plano de la esencia social y moral dará por resultado una revalorización de la experiencia sensible, antídoto contra la raciocinación técnica. La inmensa responsabilidad de las mujeres para con la supervivencia de la especie –¿cómo preservar la libertad de nuestros cuerpos y procurar al mismo tiempo mejores condiciones de vida a nuestros hijos?- corre a la par con esta rehabilitación de lo sensible….

La re-vuelta, entonces, como retorno-inversión-desplazamiento-cambio, constituye la lógica profunda de cierta cultura que yo quisiera rehabilitar ante ustedes y cuya vitalidad parece sumamente amenazada en nuestros días. Lo que tiene hoy sentido no es inmediatamente el futuro (como pretendían el comunismo y las religiones providenciales), sino que la re-vuelta: es decir la interrogación y el desplazamiento del pasado. El futuro, si existe, depende de ello…

Generalmente, cuando los medios de comunicación emplean el término “revuelta”, no entendemos otra cosa que esa suspensión nihilista de la interrogación en beneficio de presuntos valores nuevos que, como “valores”, precisamente han olvidado preguntarse a sí mismos, traicionando así fundamentalmente el sentido de la revuelta que yo intento rescatar ante ustedes. El nihilista no es un hombre en re-vuelta en el sentido en el que ahora entienden ustedes este término tras el paciente despliegue de significación. El nihilista en seudo-revuelta es, de hecho, un hombre reconciliado en la estabilidad de nuevos valores. Y esa estabilidad ilusoria, revela ser mortífera, totalitaria. Nunca insistiré lo suficiente en el hecho de que el totalitarismo es el resultado de cierta fijación de la revuelta en lo que constituye precisamente su traición, a saber: la suspensión del pensamiento. Hannah Arendt desplegó brillantemente esta reflexión…(fragmentos)





LUIS CAMNITZER  (Alemania 1937 – vive en NY)

La Corrupción en el Arte / El Arte de la Corrupción(artículo)

“Didáctica de la Liberación” arte conceptualista latinoamericano. (2008 -libro edit HUM)




LOUISE BOURGEOIS
(Francia 1911- vive en NY)

“destrucción d
el padre/reconstrucción del padre”

(libro de escritos y entrevistas de 1923 a 1997)

SOBRE EL PROCESO CREATIVO

“Hay una separación profunda entre la primera visión creativa de la obra y el resultado final; a menudo se tarda años en lograrlo. Por ejemplo, las formas huecas comenzaron a aparecer en mi obra como elementos secundarios. Pero fueron adquiriendo importancia hasta que su conciencia cristalizó tras visitar las cuevas de Lascaux: allí vi la manifestación visible de una forma negativa envolvente, producida por el torrente de agua que había dejado sus ondas sobre el techo: mi preocupación esencial había sido constante, pero me había llevado siete años desarrollarla y conferirle su forma final.

Hay gente que sostiene que el artista quiere imponer su visión personal a los demás, pero, de hecho, el propio artista sólo la ve con claridad a partir de la obra acabada. Cuando la ve, sabe que ha concluido su trabajo.

LA EXPRESION PROPIA ES SAGRADA Y FATAL

uno ha de diferenciar los distintos recuerdos.¿vamos nosotros hacia ellos o son ellos los que vienen a nosotros? Los que vamos a nuestros recuerdos, entonces estamos perdiendo el tiempo. La nostalgia no es productiva. Sin embargo, si son los recuerdos los que vienen hacia uno. Entonces es estamos ante las semillas de las que surge la escultura.

…Debes tener una estrategia para obtener los resultados deseados. Mis esculturas son ecuaciones infalibles. Las ecuaciones deben ser probadas. ¿Acaso disminuye la tensión? ¿Eliminamos la compulsión? ¿El dolor se va? Sólo hay dos posibilidades: o la obra funciona o no funciona.

…En los artistas se garantiza de antemano el hecho de estar cuerdo, puesto que siempre van a ser capaces de asumir su tormento.

… Temo al poder, me pone nerviosa. En la vida realcé mi identificación con la víctima, por eso mismo entré en el mundo del arte. En cambio, dentro de mi obra soy asesina, siento el sufrimiento que experimenta el asesino, una persona condenada a vivir siempre acompañada de su conciencia.

…De uno u otro modo, el rescate del miedo es la muerte.

No hay que olvidar que el masoquista ama al sádico, y viceversa, de igual modo que el prisionero, indefenso y desesperado, acaba enamorándose de su carcelero.

…Breton, Lacan y Freud me decepcionaron. Prometieron la verdad y tan sólo aportaron teorías. Eran como mi padre: prometía mucho y hacía muy poco…. (fragmento)

AVAM (Artistas visuales asociados de Madrid)

Inventario Nº 12: “Aspiramos a ser amateurs”

Peio Aguirre: Aquí es preciso rescatar el término acuñado por Walter Benjamin de que todos los artistas son ante todo “trabajadores culturales”.

El clarividente texto de Walter Benjamin El autor como productor dejaría bien a las claras cómo la función del intelectual no es sólo la de producir pensamiento, sino introducir al lector en la cadena productiva revolucionando el aparato mismo de producción. “Un autor que no enseñe a los escritores, no enseña a nadie”.

Esta es la otra pregunta, ¿es el artista un profesional o un eterno aficionado? La película Camera Buff (Amator) de Krzysztof Kieslowski,…

Obtenemos así una estética de la anti-estética. Como hemos dicho, una de las condiciones de nuestro presente responde a la progresiva “deshabilidad” por parte de los agentes creativos. Esto equivale a una crisis de legitimidad en cuanto al qué, cómo y porqué del acontecimiento artístico. Una crisis que afecta por igual a la profesión del crítico del arte (a la institución de la crítica) como al comisario. Sin embargo, esta crisis de la que algunos presumen (aquellos que contemplan la esfera del arte como si de una receta se tratara] es lo que hace que el arte contemporáneo se encuentre en uno de sus momentos históricos en cuanto a expansión, fragmentación y accesibilidad. Saltando a través de los prejuicios populares, podemos afirmar que nunca antes en toda la (historia las formas de arte habían estado tan estrechamente vinculadas a la realidad social de las personas y al día a día de todos nosotros. Todo esto en cuanto a las reflexiones políticas, sociales, económicas y humanistas que el arte genera. Creo que la cuestión del Oficio es clave (si se enciende que tener oficio es algo que toda profesión conlleva). Para muchos artistas (la mayoría), descualificación significa desaprender las ideas de otros sobre qué es “tener oficio” para acto seguido inventar tus propias reglas, reinventarte como artista. La mayoría de los grandes artistas son autodidactas, auto-aprendidos y forjados en esta des-enseñanza (de-teach, un-teach… (fragmento)

La lucha por el estatus.

Dora García: el artista tiene el privilegio de morder la mano que le da de comer. Es mas, una institución inteligente paga a artistas que son críticos con ella y esa es la base misma de la crítica institucional.

De manera que no existe oposición, hablando de los escándalos…

No me parece buena la actitud de: “bueno, como yo no estoy de acuerdo con la institución, trabajo a espaldas de ella”. En mi opinión, utilizando la terminología clásica, es mejor estar dentro y mirar hacia fuera que estar afuera y mirar hacia adentro. Es lo más efectivo. (fragmento)

(recopilado en el inventario Nº 12 de AVAM “El estatus del artista”, Madrid, 2005)

CONSTRUCCIÓN DE DIGNIDAD

Un Hogar Obrero de 1927

(fragmentos del trabajo de investigación: Clasicismo y Modernidad en la Arquitectura de Córdoba. SECyT, 1999)

Directora: Arq. Berta De La Rúa – Co- Directora: Arq. Ana María Rodríguez de Ortega

Integrantes:Arq. Mariana Betolli, Arq. Mariela Marchisio,Arq. Roxana Civallero

El modelo agro-exportador y el definitivo cambio de patrón, al sustituir la dominación española por la colonización intelectual francesa y económica inglesa, se presentan como la alternativa de crecimiento de la nación. En este marco la generación del ochenta se convierte en el grupo de los ideólogos y ejecutores del modelo de país dentro del cual la inmigración se constituye en uno de los factores primordiales que constituirán definitivamente la población argentina.

….

La ciudad cambia cada día: el adoquinado reemplaza a la tierra y el empedrado, se anuncian las capas asfálticas; comienza a circular por las calles el primer automóvil que conoció la Argentina. El tranvía a “trolley” marca sus itinerarios. La bicicleta, como transporte individual gana adeptos en perjuicio del caballo.

En 1896, se exhibe cine por primera vez en Bs. As, en le teatro Odeón, a menos de un año de la primera exhibición mundial de los hermanos Lumiere, que había tenido lugar en Paris.

……

A partir de 1927 -aproximadamente- comienza a cambiar la economía y el rol del país en la economía mundial, al modelo agro-exportador se le suma la industria. Inglaterra fue en gran medida la vía para esa integración . Este hecho marcará los destinos de Córdoba, puesto que se consolida por esos años como ciudad industrial. ”Este fenómeno se da en Argentina con la industrialización de los años 40 y 50 en los barrios planes Eva Perón en Bs. As. y los barrios residenciales de Córdoba creados en este período y poblados con viviendas financiadas por créditos individuales, loteos periféricos por le Banco Hipotecario Nacional. “A partir de la crisis del 1930 prácticamente desaparecieron las inversiones extranjeras en obras de infraestructura y servios… en cambio la inversión privada extranjera se orientó hacia la industria manufacturera; recordemos que por aquellos años se habían impuesto restricciones a las importaciones de productos manufacturados terminados…. ejemplos típicos de las nuevas inversiones fueron las realizadas en las fábricas de armado de automóviles. Era más fácil restringir la entrada de vehículos que la de partes empleadas por fábricas locales, que ocupaban mano de obra y servicios nacionales ” Es en este período que se produce el gran despegue industrial automotriz de la ciudad de Córdoba, a los capitales ingleses se le suman capitales norteamericanos, de allí vienen las tipologías de naves industriales que aparecieron en la periferia de la ciudad.

……..

En la arquitectura doméstica se reflejan marcadamente las diferencias sociales. El Palacio Ferreyra responde a una clase social alta. Es un exponente de la arquitectura académica que contiene un fuerte apego a la simetría. El proyecto le es encargado al arquitecto francés Paul E. Sanson, quien nunca estuvo en esta tierras, el hecho no sorprende, ya que era corriente en aquella época, para éste grupo social. Por este motivo se perciben influencias neobarrocas francesas, en la relación que existe entre el jardín y la arquitectura, en el tratamiento del lenguaje externo e interno de la obra. Cabe destacar que el tratamiento del paisaje lo realiza el arquitecto paisajista Charles Thays.

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No podemos cerrar el siglo sin plantearnos una ruptura con el tipo, esta se produce en la casa chorizo, por adecuación de la casa colonial derivada de la partición de la misma y rompiendo de esta manera con la simetría, no así con el lenguaje que a pesar de estar resuelto en la mayoría de los casos por autores anónimos, constructores de origen italiano, mantiene los principios de la arquitectura académica y clasicista, que se puede leer en las proporciones, en la armonía de las partes con el todo.

El ejemplo mas conocido es la casa de Entre Ríos 40 (casa Garzón Maceda). Esa es la arquitectura que llamamos generalmente Italianizante y que fue la que por sumatoria, estructuró el paisaje urbano del siglo XIX y principios del XX.