GERARDO MOSQUERA, asesor de D/C en Córdoba

Gerardo Mosquera
17 de marzo 2009 19:30 hs en CCEC
dio una conferecia mostrando su trabajo como curador.
18 de marzo 20:30 hs.en CCEC
Mesa redonda con G. Sacco, M. Astorga y D/C
Presentaron el proyecto D/C y convocatoria para taller.

OPINIÓN

Uno de los fenómenos más interesantes que se observan por todos lados en la práctica artística actual es la proliferación de espacios, instituciones, eventos y proyectos bajo la iniciativa de artistas, curadores y otros agentes culturales.
Muy ligados al contexto local, suelen no obstante poseer una mentalidad internacional, construyendo espacios para la circulación global del arte alternativos a las bienales y otras muestras institucionales, aunque también participen en ellas si llega el caso. Pueden tener corta o larga vida, pueden evolucionar en sus filosofías y programas, pero son quizás los lugares más importantes donde sucede hoy el arte en virtud de su precariedad misma, que garantiza un mayor desembarazo y libertad.
«De la adversidad vivimos», decía Helio Oiticica…
Argentina es uno de los mejores ejemplos, sobre todo por la manera como estos proyectos han contribuido a romper la megalocefalia bonaerense, desarrollando focos de acción a lo largo del país. A los muy plausibles proyectos que han tenido lugar allí se ha sumado Demolición/Construcción, en Córdoba.
Tiene la muy adecuada virtud de responder a un hecho urbano local: el auge en la construcción, que ha significado la demolición numerosa de viejas casas. La idea es aprovechar los inmuebles condenados como espacios de eventos artísticos que exploren simbólicamente la dialéctica demoler/construir, que, dada la historia argentina reciente, podría tener amplias y muy agudas implicaciones. Si las relaciones entre arte y arquitectura suelen ocurrir en los momentos de proyecto y construcción, en este caso tienen lugar de forma insólita, creativa, humilde, en la etapa que conduce a la demolición, donde se potencia la carga histórica, subjetiva podríamos decir, de los edificios.
Demolición/Construcción se abre a todo tipo de prácticas contemporáneas y posee una dimensión anti-localista, al presentar en Córdoba artistas de otras latitudes. Su vinculación de arte, arquitectura, situación local y perspectiva internacional me parece ejemplar.
Gerardo Mosquera (Oct. 2008)

Gerardo Mosquera (La Habana, 1945). Reside en La Habana. Crítico, curador e historiador de arte independiente. Curador adjunto del New Museum of Contemporary Art, Nueva York. Asesor de la Academia de Bellas Artes del Estado de Holanda. Miembro de los consejos editoriales de las revistas Art Nexus, Atlántica, Calabar, Ideas & Ensaios, Nka y Third Text. Fundador de la Bienal de La Habana y miembro del equipo organizador de las 3 primeras ediciones: 1984, 1986 y 1989.

Entre sus exposiciones: «States of Exchange», INIVA, Londres, 2008; «La cuadratura del Cono. Border Jam», Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal Juan Manuel Blanes, Centro Cultural de España, Museo y Archivo Histórico Municipal (Cabildo), espacio público, Montevideo, 2007; «Transpacífico. Un encuentro en Santiago», Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago de Chile, 2007; Liverpool Biennial International 2006; «Cordially Invited», BAK y Museo Central de Utrecht, 2004; «Panorama da Arte Brasileira (Desarrumado). 19 Desarranjos», Museu da Arte Moderna, Sao Paulo, 2003, Paço Imperial, Río de Janeiro, 2003, Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhaes, Recife, 2004, MARCO, Vigo, 2005; «CiudadMúltipleCity. ArtePanamá 2003» (proyecto internacional de arte urbano); «Territorios ausentes», Casa de América, Madrid, 2000; «No es sólo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo», Centro Reina Sofía, Madrid, 2000; «Cildo Meireles», New Museum, Nueva York, 1999; «Cinco continentes y una ciudad», Museo de la Ciudad de México, 1998 y 2000; «Important & Exportant», II Bienal de Johannesburg, 1997; «Wifredo Lam», XXIII Bienal de Sao Paulo, 1996; «Ante América», Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, 1992, Museo Alejandro Otero, Caracas, 1993, Queens Museum, Nueva York, 1993, Centro Cultural de la Raza, San Diego, 1993, Yerbabuena Center for the Arts, San Francisco, 1994, Spencer Museum, University of Kansas, Lawrence, 1994, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, 1994; «Los Hijos de Guillermo Tell. Artistas Cubanos Contemporáneos», Museo Alejandro Otero, Caracas, 1991, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, 1991; «The Nearest Edge of the World. Art and Cuba Now», Massachusetts College of Art Main Gallery, Boston, 1990, The Bronx Museum of Art, Nueva York, 1991, Anderson Gallery, Virginia Commonwealth University, Richmond, 1991, The School of the Art Institute of Chicago, 1992, Nexus Contemporary Art Center, Atlanta, 1994, entre varios otros lugares en Estados Unidos; África dentro de Cuba: 6 Artistas, Museo Nacional de Antropología de Angola, Luanda, 1986, Núcleo de Arte, Maputo, 1986, Centro Wifredo Lam, La Habana, 1986.

Entre sus libros: Copiar el edén. Arte reciente en Chile (editor), Santiago, 2006; ciudadMULTIPLEcity. Urban Art and Global Cities: an Experiment in Context (co-editor), Amsterdam, 2005; Over Here. International Perspectives on Art and Culture (co-editor), Cambridge y Londres, 2004; Beyond the Fantastic. Contemporary Art Criticism from Latin America (editor), Londres, 1995; Contracandela, Caracas, 1995; Del pop al post (editor), La Habana, 1993; El diseño se definió en Octubre, La Habana, 1989, Bogotá, 1992.

Ha publicado más de 600 ensayos, artículos y comentarios en libros, catálogos y publicaciones periódicas de muchos países. Ha organizado y participado en numerosos simposios internacionales, y dictado conferencias y seminarios en universidades y otras instituciones de un centenar de ciudades. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990, el premio a los diez mejores libros publicados en Cuba ese mismo año, y el capítulo argentino de la Asociación Internacional de Críticos de Arte lo eligió en 1998 como crítico latinoamericano de más importante trayectoria (ex aequo con Paulo Herkenhoff).

REFERENTES y documentos del proceso (*) en nuestra memoria

Soporte teórico para la realización del «(*) en nuestra memoria»,

combinado con soporte práctico de trabajos necesarios para hacer posibles las «piezas» de los autores convocados.

(Fragmentos seleccionados por GDO)



Libertad

(D. W. Winnicott, 1969)



No puedo eludir la responsabilidad de volver a considerar la idea de libertad a la luz de los conceptos de salud y de creatividad, en los que insisto…..

Es bien sabido que las personas fuertes han señalado desde siempre que experimentaban un cierto sentimiento de libertad, que hasta podía reforzarse cuando padecían una constricción física. Ya mencioné el dicho bien conocido: «Murallas de piedra no hacen la cárcel, ni barrotes de hierro la jaula”…

Es cierto que muchos individuos cuyos logros fueron excepcionales que han cambiado el mundo o contribuido de modo notorio a su progreso no lo han hecho sin pagar un precio por ello, como si estuvieran en la frontera entre los que tienen» y «1os que no tienen». Aquí se ve cómo su contribución excepcional nació de su desdicha o fueron impulsados por el sentimiento de una amenaza interna. Pero esto en nada modifica  el hecho de que hay en este dominio dos extremos, los que tienen en si lo necesario para realizarse y los que, en razón de falencias del ambiente en las primeras etapas de la vida, no pueden realizarse. Es de esperar que los segundos tengan rencores frente a los Primeros. El infeliz tratará de destruir la felicidad. Los que están presos de la rigidez de sus defensas trataran de destruir la libertad Los que no pueden gozar plenamente de su cuerpo tratarán de Impedir el goce del cuerpo aun entre sus propios hijos y por más que los quieran. Los que no pueden amar intentarán destruir con el cinismo la sencillez de una relación natural; y, más allá de toda frontera, los que están demasiado enfermos para tomar su desquite y se pasan la vida en el hospital psiquiátrico, transforman a los sanos en culpables de ser sanos, de ser libres de vivir en sociedad y de integrarse en la política local o mundial. Hay muchos modos de hablar del peligro para la libertad engendrado por la libertad. Aquellos que son bastante sanos y libres deben ser capaces de sostener el triunfo que implica su estado. Después de todo, sólo es la suerte la que les permitió gozar de buena salud….»


LIV ULLMANN (Japón, 1938)

“Senderos” (libro autobiográfico).

«como actriz mi materia es la vida, la que vivo y la que observo, sobre la que leo y la que escucho…

El cine, como cualquier arte, es comprendido y admirado por el espectador en la medida en que éste se reconozca en él»…. (artículo El País, 12-12-04)

ANDREI TARKOVSKI (Rusia 1932 – Paris 1986)

“Esculpir en el tiempo” (diario de trabajo)

MARCELO VIÑAR (Uruguauy)

Una mirada psicoanalítica sobre la tortura

(Artículo “Pedro o la demolición” publicado en su exilio en París en 1978)

«La demolición es la experiencia de derrumbe y de locura -metódica y científicamente inducida- que desplaza al individuo de su mundo amado e investido para ponerlo frente a un agujero siniestro lleno de la vergüenza, la humillación, la orina, el horror, el dolor, los excrementos, el cuerpo y los órganos mutilados. Todo ello se inscribe en un espacio vivido como inconmensurable y en un tiempo eterno, que tienen las características de la pesadilla y del espacio onírico»…

» Descentremos a Pedro y desde su lugar interroguemos los testigos como objeto de la cuestión. ¿Cómo resuena su historia en nosotros? ¿Nos es Lejana? ¿De qué lado de nuestra piel está? ¿Cuál es nuestra distancia de este drama?

La demolición es una encrucijada buscada y temible:

– para la práctica del torturador su eficacia se ve en la confesión y en la delación;

– para la estabilidad política de un régimen dictatorial es el camino según el cual, pasando por el pánico y el miedo, apuntan la parálisis de los grupos sociales hasta entonces vivos y activos;

– para los Pedros, es la tragedia que hemos tratado de relatar;

-para la sociedad implicada, su repercusión es de tal naturaleza que su comprensión con todas las dificultades que se plantean, constituye el núcleo esencial de esta investigación naciente.» (fragmento)

GERARDO MOSQUERA (La Habana 1945)

“Copiar el edén” arte reciente en Chile (2006)



KRZYSZTOF KIESLOWSKI (Varsovia 1941-1996)

Libro de Serafino Murri (1998)

«Más que de necesidad yo hablaría de esperanza, de la esperanza en que la comunicación sea posible. Como pesimista que soy, no tengo muchas esperanzas, pero de vez en cuando esta esperanza aflora en mi vida. Con respecto al azar, hay que decir que, por un lado, el azar es realmente azar, pero por otro lado, no lo es en absoluto. El azar es algo que hay que merecerse, que hay que ganarse con mediante duro trabajo. El azar en la vida es algo que hay que saber captar para poder extraer su beneficio, hay que saber crear las premisas para hacerlo salir de su estado de potencialidad. Es una regla general que gobierna todas las decisiones de nuestra vida. Por lo tanto, también la mía de dedicarme al cine»…

JULIA KRISTEVA (Bulgaria 1941 – vive en Francia)

«La revuelta íntima»

¿CUAL ES HOY, LA REVUELTA?

«Por otra parte, el universo de las mujeres me permite sugerir cierta alternativa para la sociedad robotizante y espectacular que hace polvo a la cultura revuelta: esa alternativa es, simplemente, la intimidad sensible. Poseídos por su sensibilidad y sus pasiones, ciertos seres continúan, empero haciéndose preguntas. Estoy persuadida de que, después de tantos proyectos y eslóganes más o menos razonables y prometedores lanzados en últimas décadas por el movimiento feminista, el arribo de las mujeres al primer plano de la esencia social y moral dará por resultado una revalorización de la experiencia sensible, antídoto contra la raciocinación técnica. La inmensa responsabilidad de las mujeres para con la supervivencia de la especie –¿cómo preservar la libertad de nuestros cuerpos y procurar al mismo tiempo mejores condiciones de vida a nuestros hijos?- corre a la par con esta rehabilitación de lo sensible….

La re-vuelta, entonces, como retorno-inversión-desplazamiento-cambio, constituye la lógica profunda de cierta cultura que yo quisiera rehabilitar ante ustedes y cuya vitalidad parece sumamente amenazada en nuestros días. Lo que tiene hoy sentido no es inmediatamente el futuro (como pretendían el comunismo y las religiones providenciales), sino que la re-vuelta: es decir la interrogación y el desplazamiento del pasado. El futuro, si existe, depende de ello…

Generalmente, cuando los medios de comunicación emplean el término “revuelta”, no entendemos otra cosa que esa suspensión nihilista de la interrogación en beneficio de presuntos valores nuevos que, como “valores”, precisamente han olvidado preguntarse a sí mismos, traicionando así fundamentalmente el sentido de la revuelta que yo intento rescatar ante ustedes. El nihilista no es un hombre en re-vuelta en el sentido en el que ahora entienden ustedes este término tras el paciente despliegue de significación. El nihilista en seudo-revuelta es, de hecho, un hombre reconciliado en la estabilidad de nuevos valores. Y esa estabilidad ilusoria, revela ser mortífera, totalitaria. Nunca insistiré lo suficiente en el hecho de que el totalitarismo es el resultado de cierta fijación de la revuelta en lo que constituye precisamente su traición, a saber: la suspensión del pensamiento. Hannah Arendt desplegó brillantemente esta reflexión…(fragmentos)





LUIS CAMNITZER  (Alemania 1937 – vive en NY)

«La Corrupción en el Arte / El Arte de la Corrupción» (artículo)

“Didáctica de la Liberación” arte conceptualista latinoamericano. (2008 -libro edit HUM)




LOUISE BOURGEOIS
(Francia 1911- vive en NY)

«destrucción d
el padre/reconstrucción del padre»

(libro de escritos y entrevistas de 1923 a 1997)

SOBRE EL PROCESO CREATIVO

«Hay una separación profunda entre la primera visión creativa de la obra y el resultado final; a menudo se tarda años en lograrlo. Por ejemplo, las formas huecas comenzaron a aparecer en mi obra como elementos secundarios. Pero fueron adquiriendo importancia hasta que su conciencia cristalizó tras visitar las cuevas de Lascaux: allí vi la manifestación visible de una forma negativa envolvente, producida por el torrente de agua que había dejado sus ondas sobre el techo: mi preocupación esencial había sido constante, pero me había llevado siete años desarrollarla y conferirle su forma final.

Hay gente que sostiene que el artista quiere imponer su visión personal a los demás, pero, de hecho, el propio artista sólo la ve con claridad a partir de la obra acabada. Cuando la ve, sabe que ha concluido su trabajo.

LA EXPRESION PROPIA ES SAGRADA Y FATAL

uno ha de diferenciar los distintos recuerdos.¿vamos nosotros hacia ellos o son ellos los que vienen a nosotros? Los que vamos a nuestros recuerdos, entonces estamos perdiendo el tiempo. La nostalgia no es productiva. Sin embargo, si son los recuerdos los que vienen hacia uno. Entonces es estamos ante las semillas de las que surge la escultura.

…Debes tener una estrategia para obtener los resultados deseados. Mis esculturas son ecuaciones infalibles. Las ecuaciones deben ser probadas. ¿Acaso disminuye la tensión? ¿Eliminamos la compulsión? ¿El dolor se va? Sólo hay dos posibilidades: o la obra funciona o no funciona.

…En los artistas se garantiza de antemano el hecho de estar cuerdo, puesto que siempre van a ser capaces de asumir su tormento.

… Temo al poder, me pone nerviosa. En la vida realcé mi identificación con la víctima, por eso mismo entré en el mundo del arte. En cambio, dentro de mi obra soy asesina, siento el sufrimiento que experimenta el asesino, una persona condenada a vivir siempre acompañada de su conciencia.

…De uno u otro modo, el rescate del miedo es la muerte.

No hay que olvidar que el masoquista ama al sádico, y viceversa, de igual modo que el prisionero, indefenso y desesperado, acaba enamorándose de su carcelero.

…Breton, Lacan y Freud me decepcionaron. Prometieron la verdad y tan sólo aportaron teorías. Eran como mi padre: prometía mucho y hacía muy poco…. (fragmento)

AVAM (Artistas visuales asociados de Madrid)

Inventario Nº 12: «Aspiramos a ser amateurs»

Peio Aguirre: Aquí es preciso rescatar el término acuñado por Walter Benjamin de que todos los artistas son ante todo «trabajadores culturales».

El clarividente texto de Walter Benjamin El autor como productor dejaría bien a las claras cómo la función del intelectual no es sólo la de producir pensamiento, sino introducir al lector en la cadena productiva revolucionando el aparato mismo de producción. «Un autor que no enseñe a los escritores, no enseña a nadie».

Esta es la otra pregunta, ¿es el artista un profesional o un eterno aficionado? La película Camera Buff (Amator) de Krzysztof Kieslowski,…

Obtenemos así una estética de la anti-estética. Como hemos dicho, una de las condiciones de nuestro presente responde a la progresiva «deshabilidad» por parte de los agentes creativos. Esto equivale a una crisis de legitimidad en cuanto al qué, cómo y porqué del acontecimiento artístico. Una crisis que afecta por igual a la profesión del crítico del arte (a la institución de la crítica) como al comisario. Sin embargo, esta crisis de la que algunos presumen (aquellos que contemplan la esfera del arte como si de una receta se tratara] es lo que hace que el arte contemporáneo se encuentre en uno de sus momentos históricos en cuanto a expansión, fragmentación y accesibilidad. Saltando a través de los prejuicios populares, podemos afirmar que nunca antes en toda la (historia las formas de arte habían estado tan estrechamente vinculadas a la realidad social de las personas y al día a día de todos nosotros. Todo esto en cuanto a las reflexiones políticas, sociales, económicas y humanistas que el arte genera. Creo que la cuestión del Oficio es clave (si se enciende que tener oficio es algo que toda profesión conlleva). Para muchos artistas (la mayoría), descualificación significa desaprender las ideas de otros sobre qué es «tener oficio» para acto seguido inventar tus propias reglas, reinventarte como artista. La mayoría de los grandes artistas son autodidactas, auto-aprendidos y forjados en esta des-enseñanza (de-teach, un-teach… (fragmento)

La lucha por el estatus.

Dora García: el artista tiene el privilegio de morder la mano que le da de comer. Es mas, una institución inteligente paga a artistas que son críticos con ella y esa es la base misma de la crítica institucional.

De manera que no existe oposición, hablando de los escándalos…

No me parece buena la actitud de: “bueno, como yo no estoy de acuerdo con la institución, trabajo a espaldas de ella”. En mi opinión, utilizando la terminología clásica, es mejor estar dentro y mirar hacia fuera que estar afuera y mirar hacia adentro. Es lo más efectivo. (fragmento)

(recopilado en el inventario Nº 12 de AVAM “El estatus del artista”, Madrid, 2005)

CONSTRUCCIÓN DE DIGNIDAD

Un Hogar Obrero de 1927

(fragmentos del trabajo de investigación: Clasicismo y Modernidad en la Arquitectura de Córdoba. SECyT, 1999)

Directora: Arq. Berta De La Rúa – Co- Directora: Arq. Ana María Rodríguez de Ortega

Integrantes:Arq. Mariana Betolli, Arq. Mariela Marchisio,Arq. Roxana Civallero

El modelo agro-exportador y el definitivo cambio de patrón, al sustituir la dominación española por la colonización intelectual francesa y económica inglesa, se presentan como la alternativa de crecimiento de la nación. En este marco la generación del ochenta se convierte en el grupo de los ideólogos y ejecutores del modelo de país dentro del cual la inmigración se constituye en uno de los factores primordiales que constituirán definitivamente la población argentina.

….

La ciudad cambia cada día: el adoquinado reemplaza a la tierra y el empedrado, se anuncian las capas asfálticas; comienza a circular por las calles el primer automóvil que conoció la Argentina. El tranvía a “trolley” marca sus itinerarios. La bicicleta, como transporte individual gana adeptos en perjuicio del caballo.

En 1896, se exhibe cine por primera vez en Bs. As, en le teatro Odeón, a menos de un año de la primera exhibición mundial de los hermanos Lumiere, que había tenido lugar en Paris.

……

A partir de 1927 -aproximadamente- comienza a cambiar la economía y el rol del país en la economía mundial, al modelo agro-exportador se le suma la industria. Inglaterra fue en gran medida la vía para esa integración . Este hecho marcará los destinos de Córdoba, puesto que se consolida por esos años como ciudad industrial. ”Este fenómeno se da en Argentina con la industrialización de los años 40 y 50 en los barrios planes Eva Perón en Bs. As. y los barrios residenciales de Córdoba creados en este período y poblados con viviendas financiadas por créditos individuales, loteos periféricos por le Banco Hipotecario Nacional. “A partir de la crisis del 1930 prácticamente desaparecieron las inversiones extranjeras en obras de infraestructura y servios… en cambio la inversión privada extranjera se orientó hacia la industria manufacturera; recordemos que por aquellos años se habían impuesto restricciones a las importaciones de productos manufacturados terminados…. ejemplos típicos de las nuevas inversiones fueron las realizadas en las fábricas de armado de automóviles. Era más fácil restringir la entrada de vehículos que la de partes empleadas por fábricas locales, que ocupaban mano de obra y servicios nacionales ” Es en este período que se produce el gran despegue industrial automotriz de la ciudad de Córdoba, a los capitales ingleses se le suman capitales norteamericanos, de allí vienen las tipologías de naves industriales que aparecieron en la periferia de la ciudad.

……..

En la arquitectura doméstica se reflejan marcadamente las diferencias sociales. El Palacio Ferreyra responde a una clase social alta. Es un exponente de la arquitectura académica que contiene un fuerte apego a la simetría. El proyecto le es encargado al arquitecto francés Paul E. Sanson, quien nunca estuvo en esta tierras, el hecho no sorprende, ya que era corriente en aquella época, para éste grupo social. Por este motivo se perciben influencias neobarrocas francesas, en la relación que existe entre el jardín y la arquitectura, en el tratamiento del lenguaje externo e interno de la obra. Cabe destacar que el tratamiento del paisaje lo realiza el arquitecto paisajista Charles Thays.

…..

No podemos cerrar el siglo sin plantearnos una ruptura con el tipo, esta se produce en la casa chorizo, por adecuación de la casa colonial derivada de la partición de la misma y rompiendo de esta manera con la simetría, no así con el lenguaje que a pesar de estar resuelto en la mayoría de los casos por autores anónimos, constructores de origen italiano, mantiene los principios de la arquitectura académica y clasicista, que se puede leer en las proporciones, en la armonía de las partes con el todo.

El ejemplo mas conocido es la casa de Entre Ríos 40 (casa Garzón Maceda). Esa es la arquitectura que llamamos generalmente Italianizante y que fue la que por sumatoria, estructuró el paisaje urbano del siglo XIX y principios del XX.



Intercambios arte-arquitectura: Sánchez Goldar – De Oliveira




Intercambio entre Sanchez Goldar y De Oliveira
(Río Ceballos, Junio 2008)


detalle de pieza, obra «correspondencia»



fachada de la primera etapa.


Soledad Sánchez Goldar: por honorarios de proyecto y dirección para una vivienda dio como pago el traje de hombre que bordó en la obra “Correspondencia”.
Graciela De Oliveira: proyecto y DT para construcción de su vivienda en ciudad de Río Ceballos. El diseño ha sido realizado en conjunto con la comitente y opiniones con otros arqs.
El 15 de Noviembre concluimos la primera etapa de obra y ya está habitada.

La planta baja está construida con bloques de cemento vistos.
La planta alta diseñada en láminas de acero onduladas vistas, interior madera.

Agradecemos Colaboración de estudio Marshisio+Nanzer en proyecto
y a Fabián Schünke en representación gráfica.




Ingreso principal, casa con dos plantas.

(*) González Palma entrevista a Regina Galindo

Luis: Viendo las imágenes que has presentado de tu trabajo siento que hay en él una relación muy estrecha con la representación del martirio en el arte religioso católico. ¿Cómo ves tu obra en relación a la representación de la experiencia sagrada en nuestra cultura católica?

Regina: Para ser honesta yo no se ni entiendo mucho de religión. Ya sea catolicismo o cristianismo es algo muy lejano en mi vida consciente. Fui bautizada en la religión católica e inclusive hice mi primera comunión, pero en la casa de mis padres jamás nos obligaron a creer en algo, ni en imágenes, ni en santos, ni en milagros. Mi padre ha sido siempre un eterno buscador y en esa búsqueda pasó por algunas iglesias. Durante un tiempo asistió al templo de Sai Baba y nos llevo algunas veces, pero tengo a penas memoria de ello. Luego asistió a una iglesia cristiana y se la creyó un tiempo, pero gracias a dios (jeje) se dio cuenta del engaño y lo dejó.
Tengo un hermano que es una eminencia, filósofo y con una gran inquietud por la búsqueda de la verdad y el conocimiento por lo que gracias a él y a mi padre, mi casa estuvo siempre repleta de todo tipo de libros esotéricos. Algunos los leí, muchos los tengo pendientes como los libros de Isis sin Velo…
De las cosas más valiosas que me enseñó mi padre, fue en no creer en la iglesia como organismo, como institución. En admirar a los iniciados como Buda, Krishna, Jesús. Tengo poco conocimiento real, pero tengo la herencia de pensar libre, de saber que la religión es un invento y un sistema para manipular al ser humano, a veces puede ser una ayuda, un apoyo pero en la medida en que uno se sepa libre y sea consecuente con su propia vida y su propia verdad. (Hablando acá no solo de esta vida sino las que nos anteceden).
A mi me parece que mis imágenes remiten más directamente al sufrimiento real, al cotidiano, al martirio (si se quiere llamar así) del ser humano en su día a día viviendo en este mundo de mierda, de opresión, de jerarquías y poder.
En algunos casos, o en muchos, sí tengo un referente directo y consciente hacia ciertas imágenes o cierta iconografía que utiliza la cultura católica, pero ha sido resultado de una investigación en pro de la imagen que deseaba construir. Por ejemplo, en el caso de El Peso de la Sangre, tomo como elemento la gota de sangre cayendo sobre mi cabeza, de la misma forma que la gota de agua caía sobre el cuerpo de las monjas torturadas. Acá la utilización de este elemento es racional e intencional, ya que me parecía que se construía una imagen fácil de entender para el observador. El título mismo aludía a ese peso, al peso de la culpa… de haber nacido acá, de ver lo que día a día sucede, de formar parte de este absurdo en donde se desperdicia tanta sangre.
Igualmente en el caso de Cepo, en donde estuve sostenida por este aparato 12 horas consecutivas en un pequeño patio que daba al muro trasero de la prisión más antigua de Roma. También en Limpieza Social, en donde, para referirme a una situación muy actual, recurro al agua y a la limpieza obsesiva de un cuerpo. Esto para citarte algunos ejemplos.
Todo esto evidencie que aunque yo conscientemente me siento libre de cualquier atadura religiosa, en el fondo, toda esta imaginería quizás me acompaña ya que de una u otra forma me ha construido. Talvez no de forma directa, pero sí debido a un contexto más abierto como lo es mi sociedad cercana que cree firmemente en la voluntad de dios, en que él sabe lo que hace, en qué todo lo ve.

Luis: Hay en varias de tus acciones una búsqueda del límite, un intento controlado de rozar el espacio de muerte, el borde del desfallecimiento consciente, proyectando una imagen cercana a lo extático. Siento que en tu trabajo hay una búsqueda del espacio erótico. ¿Cómo te sientes respecto a esto?

Regina: Hay que pensar acá que cada quién tiene sus propios límites y lo que para otros puede ser una experiencia cercana a la muerte, para mi sea simplemente un ejercicio de dominio o control corporal.
Yo veo la muerte como algo lejano, no me he acercado a ella más que una sola vez en mi vida y fue a causa de un terrible accidente que tuve en automóvil mientras estaba embarazada de 6 meses de mi hija Isla. Esa vez lo sentí cerca, le temí. Fue real.
Yo trabajo generando imágenes que hablen de la muerte, que sean un reflejo de ella. Cómo se vería, cómo sería… pero son imágenes y allí se quedan. Quizás el espectador tenga una experiencia más cercana a la muerte al ver mi cuerpo tendido, que yo misma al estar sedada, ya que para mi es simplemente el resultado de estudiar bien cómo fabricar la imagen y obviamente un efecto médico, versus que para el otro es un cuerpo vivo pero al mismo tiempo sin vida.
Algo que si me parece certero, es que en muchos proyectos he trabajado con un espacio límite, (para mi como te decía no es un límite entre muerte y vida ya que a mi entender es límite no existe o se esta vivo o muerto), un espacio en donde el cuerpo está sin estar. Ya sea inconsciente, o inmóvil o paralizado de alguna manera. Y pensándolo y repensándolo me doy cuenta que esta fue una imagen muy cercana a lo largo de toda mi vida. Tengo la imagen de mi madre, que durante toda mi infancia tuvo episodios de depresión fulminante en donde estaba sin estar, o bien con un ataque de migraña que la tumbaba durante horas, días sin hablar, sin hacer ningún gesto. La recuerdo sentada en una silla al lado del refrigerador, escondida de algo que nunca terminé de entender, inaccesible para nosotros….
Ahora bien, sobre el espacio erótico, me parece que es algo que debo repensar y estudiar. Yo nunca he visto ese lado erótico en mi trabajo, pero es interesante que alguien más lo encuentre.

Luis: ¿Qué valor le das al sonido en tu obra, al producido por el balbuceo, el ahogo, o el silencio prolongado y las pisadas silenciosas?

Regina: Le doy un valor altísimo. Bueno dependiendo del proyecto. Pero en la mayoría el sonido o la falta de, esta presente. Yo trato de pensar en todos los detalles que una acción pueda generar. En el caso de Cabecita Negra yo tenía previsto el sonido de la herramienta contra la madera, sabía que el sonido iba a envolverlo todo e iba a ser hermoso.


Luis:
Tu búsqueda de voluntarios hombres en varias de tus acciones hacen patente la agresión, que resistes y registras. ¿Cuando buscas una figura masculina (imagen paterna) para agredirte, qué es lo que estas buscando o deseas transmitir?

Regina: Puedo decir conscientemente que la presencia de hombres en mis trabajos no se debe a un trauma o una herida no curada con respecto a mi padre. Mi padre es un ser con el cual ya he hecho las paces. El fue un cabrón pero lo reconozco y él lo reconoce también. En un momento fue importante y crucial en mi vida esta aceptación para así poder seguir en mi camino de crecimiento individual, ya sin esas ataduras y esos pesos del pasado.
Los golpes que él pudo haber propiciado, la violencia que él pudo haber ejercido dentro de mi familia serán su eterno error, él carga con ello todos los días y quizás lo seguirá haciendo un par de vidas más pero yo no tengo ya nada que recriminarle porque he entendido que todo lo negativo que sucedió fue una consecuencia del amor. Amor enfermizo, patológico… quizás, pero amor al final. (me gusto mucho la lectura de qué hablamos cuando hablamos de amor porque es algo que yo muchas veces he pensado, en todas las caras que puede tener el amor, son tantas, son tan incomprensibles… pero son lo que son y son parte de un todo).
Al trabajar con hombres lo hago porque intento con cada acción ACERCAME lo más posible a la realidad. Y son los hombres quienes en la realidad han ocupado esos lugares de victimarios. A ellos les ha tocado jugar el papel de violadores, asesinos, torturadores…. recordá también de dónde vengo. Vengo de Guatemala: acá todavía, los hombres juegan con gusto ese papel.
Yo no tengo problemas solamente con la imagen de mi padre violento. Tengo problemas con la imagen de los cientos y cientos de hombres violentos. De mi amigo que borracho me empujo al piso y me dio dos patadas. Del hombre escupiendo a una mujer públicamente en una calle de Turquía. Del marero que confiesa haber violado a una niña de 4 años. Del director de migración que me pide 500 dólares para no dejar a mi amiga dominicana en el aeropuerto toda la noche, con el aviso de que «usted ya sabe lo que le puede pasar a su amiga». Tengo problemas con los hombres que nos dicen putas, con los compañeros que nos llaman feministas mal cogidas.

En fin… en resumidas cuentas, mi padre es culpable pero está ya cumpliendo su condena. Cuando utilizo otros hombres no lo hago con la intención de reflejarlo a él. No, el mundo está repleto de bestias y es sobre estas bestias las que me interesa hablar.

Mi padre es solamente el resultado de esta sociedad. A él lo educó una mujer y lo educó mal. Así que posiblemente tengo más problemas con la figura borrosa de mi abuela paterna quien fue la responsable de crear y criar a un hombre con tantos miedos e inseguridades.
Tengo problemas con las sociedades más que un ser humano.

Luis: El agua, presente en algunas de tus acciones, amenaza y asfixia. ¿Le otorgas un valor simbólico particular a este elemento que históricamente ha tenido una relación con la vida, con el renacer y con la limpieza cuidadosa?

Regina:El agua la he visto como un elemento más. Pero un elemento que es vida y como tal tiene múltiples significados y significantes. El agua es principio, es dolor, es final. El agua somos nosotros en nuestro interior y es nuestro contexto. Es nuestro cielo y la única forma de apaciguar los infiernos. (hablando de religión, je je)

Luis: En el registro fotográfico de tus acciones tu te muestras más con los ojos cerrados que abiertos, (viajar con ojos vendados, estando sedada y dormida, desfallecida frente a un choque eléctrico por un breve tiempo, proyectando imágenes sobre tu cuerpo con los ojos vendados) usualmente tu mirada no confronta, y tus ojos cerrados aparecen constantemente en las imágenes que te representan. Hay una entrega a la mirada del otro, una entrega que es también un deseo de ser vista sin ver. ¿Qué significado tiene para ti, tu mirada y la forma en que la niegas? ¿Crees que al sentirte/saberte vista tú te construyes de alguna forma?


Regina:
Tú sabes que los ojos son la mirada interior porque lo has trabajado y estudiado mejor que nadie. Cuando yo hago una pieza veo mi cuerpo como mi herramienta, mi lienzo… pero no me interesa que mi cuerpo cuente mi historia personal sino sea un reflejo de un cuerpo colectivo; por lo que es importante este alejamiento. Si veo a los ojos al público corro el riesgo de que él público me vea a mí, «Regina» y no vea un cuerpo que puede ser cualquier cuerpo y el cuerpo de todos.
Yo no quiero confrontar a nadie. Quiero que las imágenes o acciones que se fabrican con o sin mi cuerpo, lo hagan.
En mis acciones, yo no soy yo. Lo que tu ves, lo que la gente ve es mi cuerpo, hacia afuera, no hacia dentro. Si me topo con una mirada corro el riesgo de asumirme, de sentirme y debo ser fría y estar lo más alejada posible para resistir.

(*) en nuestra memoria: entrevista 3


Graciela De Oliveira:

Dora García en un debate en AVAM (tema “la lucha por el estatus”) dijo que:
“no existe oposición entre ser subvencionado y ser crítico, se puede ser crítico y estar subvencionado. El artista tiene el privilegio de morder la mano que le da de comer. Es mejor estar adentro y mirar hacia fuera, que estar afuera y mirar hacia dentro. Es lo más efectivo”

1- ¿Qué puedes decir la actualidad contemporánea de la sociedad en la que te desenvuelves, es tu obra crítica para con ella o te sientes un representante local?
2- ¿Tu lugar de procedencia responde a tu obra, se comunica o repara en ella?

3- ¿Trabajas con instituciones de tu país?
4- ¿Cómo ves la relación del arte contemporáneo y las instituciones allí?
5- ¿Crees que hay un ideal de institución para el arte contemporáneo?

(4 de agosto 2008)

DAVID PEREZ
1 La ética del ser humano es lo que genera la cuestionante, cada uno dependiendo de su experiencia experimenta diferentes niveles de pensamiento. No creo que el artista deba depender de esta para enfatizar su propio trabajo, el trabajo en si es lo que reconoce su existencia. En cada obra que realizo existe un grado que obedece a cómo lo asume el espectador. Pero si existe la intención de generar un cuestionamiento entre ambas partes. Un contacto que va de lo individual hacia algo más colectivo.
2 claro, es inevitable que en algunos trabajos existan rasgos o elementos que te reconocen tu lugar de origen. Aunque el contenido final se acerque a algo mas colectivo y universal. Creo que en la actualidad es bastante difícil tener algo particular que no sea reconocible a nivel general. solo son elemento variables de un contenido similar.
3 cuando me invitan si
4 poco a poco se han ido aceptando nuevas formas de trabajo, aunque Aun existe la necesidad de entender y asumir la responsabilidad de algunas corrientes. Seria fatal pensar que la institución te representan la única opción de mostrar lo que se hace y no aprovechar otros espacios y medios que sirvan de plataformas aunque al final terminen igual siendo instituciones solo que manejada de otra manera.
5 no , cada quien idealiza su propia institución de trabajo y la desarrolla a medida que se aprovecha de esta.

LUIS GONZALEZ PALMA
1- No entiendo bien la pregunta, pero te digo lo que pienso al respecto. En mi caso no siento que mi obra sea crítica para con la sociedad, puede ser un tanto reflexiva y aunque siento que me interesan temas muy amplios como el amor/el desamor, el tiempo como caída o la muerte, todos ellos tienen un origen con mi experiencia de infancia en Guatemala.
2- Ambas cosas, viva en donde viva mi obra es un constante diálogo con la cultura que formó, consciente o inconscientemente mi forma de entender el mundo.
3- Sí, lo he hecho, tanto en Guatemala como en Argentina que es en donde vivo.
4- Guatemala ha sido un país en donde los espacios dedicados al arte contemporáneo han sido creados por artistas en la mayoría de los casos. Eso les quita cierto carácter institucional y los ha hecho mas espacios para experimentar, algo mas cercano al espíritu contemporáneo en el arte. En Córdoba, que es en donde vivo, la relación del arte contemporáneo con las instituciones es más tradicional, poco espacio para el riesgo y para el diálogo y la discusión.
5- sí, una que cambie con el espíritu de su época, que se vaya destruyendo y construyendo al mismo tiempo.

REGINA JOSE GALINDO
1- No me parece que el artista muerda la mano de quien le da de comer… me parece que la frase está mal formulada. El artista come de su propia mano, fruto de su trabajo. No le debe nada a nada ni a nadie. Ese es un artista. Una persona que no está atado a nada, a ninguna institución ni ninguna firma comercial. Hace lo que hace por que le place, porque es lo que tiene y debe hacer por convicción. No es un publicista que crea o produce con el claro objetivo de generar consumo. Su ética depende de sí mismo. No es una cuestión de ser efectivo. El artista es libre, de otro modo, no es un pensador y como tal su creación será simplemente un producto. Un artista está donde se le da la gana de estar, puede estar adentro y afuera al mismo tiempo y ver hacia ambos lados.
2- Mi contexto cercano, lo que más a la mano tengo cuando abro los ojos normalmente es un dolor. A veces, cuando estoy afuera, lo olvido, pero me lo recuerdan al poner los pies en mi país. Soy crítica con mi sociedad, con mi contexto porque no lo acepto. No me dejé formar por él. Soy resultado de lo que mi sociedad quería que fuera… soy lo opuesto. Soy una mujer pensante, libre, en constante crecimiento, pero con rabia. Una rabia que por momentos dejo reposar porque la vida por ratos es demasiado bella para que me amargue por completo por todo lo que sucede a mi alrededor.
Yo no soy representante de nadie. Me represento a mi misma. No le juego la vuelta ni le doro la tortilla a ningún cerote por allí. No soy representante de belleza con mi escaso metro y medio pero me las arreglo como puedo.
Ayer tuvimos una lectura de poesía con un grupo de amigas guatemaltecas, que escribimos por placer, por necesidad porque así lo decidimos. Un hombre, compañero, de nuestra propia generación argumentó públicamente sobre nosotras: «Yo no voy a escuchar a ese grupo de feministas mal cogidas». Ese mismo día yo había llegado de viaje y recordé que eso es vivir en Guatemala. Eso es normal. El que un hombre, compañero te descalifique y te violente de tal manera es normal. Ese es mi puto contexto, cómo no responder a él?
3- ¿Trabajas con instituciones de tu país?
Por favor… jajaja
4- En mi caso no existió, no existe y dudo que pueda existir. No tengo información para hablar de ello.
5- un ideal de institución para el arte contemporáneo…
Que sea una institución como Demolición Construcción por ejemplo. Que creen en tus proyectos, que te apoyan en el momento de la producción, te motivan, te colaboran. Te cuestionan y te obligan a revisar tu trabajo y tus propios pensamientos. Que trabajan al lado tuyo…

(*) en nuestra memoria: entrevista 2


Graciela De Oliveira:
-Muchas veces se dice que los artistas que están trabajando en este momento temas sociales, políticos o conceptos que tienden más para la acción, se quedaron en los 60s y 70s, ¿Tú que piensas de este comentario y el soporte de la acción actualmente?

-Para el concepto «demolición» hemos consultado mucho un texto de Marcelo Viñar, que exiliado en París en el año 78 publicó con el nombre «Pedro o la demolición» en «L’Evolution Psychiatrique», en la que decía hablando de la tortura: «la barbarie utiliza métodos muy elaborados que toman en cuenta esta verdad originaria: la primacía de la relación del hombre con su cuerpo»
¿Tú, como accionista o performista qué puedes decir de esta verdad originaria?

REGINA GALINDO
Bueno se dicen muchas cosas pero a mi me parece eso muy interesante. Eso está bien, el crear diálogo, discusión, que se debatan las cosas. Ese punto de vista surge obviamente de los puntos de poder del arte, es decir de las centrales, Europa y estados unidos. Todo en el mundo es un sistema y el sistema del arte es solamente un brazo más de este entretejido. Nosotros siempre seremos vistos como la periferia, estaremos segmentados ya que así es más sencillo manejarnos, controlarnos. El arte NO es una moda. no debería de serlo ni debería de ser cambiante y adaptable al mercado de consumo.
En el arte acción o cualquier otra manifestación hay dos puntos sobre los cuales nos debemos detener y analizar. No es una cuestión tan simplista como que los latinoamericanos «hacemos arte político, social o «contextual» como le llaman últimamente… acá yo vuelvo a lo que siempre discuto. Somos artistas no activistas, por lo que hagamos lo que hagamos, más allá de la temática importa la solución formal que le demos a nuestro trabajo.
Es muy difícil que un artista se deshaga de su contexto, por lo que es muy fácil caer en estas temáticas, pero el punto es cómo se abordan, cómo se manipulan.
Además, que el arte acción exista desde ese entonces no le resta validez a lo que actualmente se hace. hay que observar las diferencia que son evidentes. El dibujo existe desde que existieron los primeros hombres y sigue siendo válido.

¿Cómo estableces los límites de tu cuerpo en la acción?
Mi cuerpo es mi herramienta, está al servicio de mis ideas. No es una cuestión de límites sino del control y la habilidad que tengamos en el uso de nuestras herramientas.
A mi me interesa ese mundo oscuro, ese lado que no todos ven o mejor dicho ven, pero no se detienen a observar. Me interesan todos los sistemas de poder y con cada acción lo que pretendo y hacer una especie de juego en donde se inviertan los mismos.

DAVID PEREZ

Una acción es una imagen en donde se reúnen varios elementos, el cuerpo aunque es la forma más cercana a nuestro propio yo, es solo uno mas. pienso en situaciones y cuestionamiento que se generan al ordenar y agrupar estos elementos. el cuerpo es la forma concreta de todo un interior racional y abstracto que necesita pertenecer.

No establezco ningún limite pienso mas en posibilidades.

SOLEDAD SANCHEZ GOLDAR

No concibo el arte sin una acción, todas las disciplinas del arte tienen que ver con la acción, la pintura, la escultura, la música contienen la energía del artista, la energía condensada en las pinceladas, en el golpe del martillo en el mármol, el arte es eso, el uso de la energía canalizada en una idea, el arte no «debería» ser pasivo ni de conceptos, ni de ideas ni política, ser artista es una elección política frente a la vida en cualquier época.
Como chiste podría decirte que los que dicen eso se quedaron en los neoliberales y menemistas 90´s.

Con respecto a esta idea de la primacía de la relación del hombre con su cuerpo puedo decirte que en mi obra como accionista considero mi cuerpo como materia, resultado, tiempo, espacio y energía en la obra, es generador de signos, imágenes, ideas y a su vez es el espacio donde se sucede y receptáculo de los vestigios de la misma.
Mi cuerpo genera y contiene historia, todos los elementos que entran en juego en el arte de acción están conjugados en el cuerpo.
No me gusta hablar de límites trato de que mi cuerpo y mi energía se expandan, todo es posible.

(*) en nuestra memoria: entrevista 1

Graciela De Oliveira:
De una entrevista a Tarkovsky de finales de los 70:
P: ¿Cuál es la responsabilidad del artista?
T: Un artista debe expresarse a sí mismo en su vida real de la misma forma que expresa su trabajo…
P: ¿cuál es la conexión entre sus películas?
T: No lo sé. Ud. mismo tiene que encontrar la conexión…
P: ¿a quién van dirigidas sus películas?
T: No creo que una obra deba ser para que la vea todo el mundo…

Basándome en esta entrevista a Tarkovsky, me gustaría saber las respuestas de uds, ante estas inquietudes que comparto con el periodista. A la vez relacionar inquietudes de ese momento (70s -80s) y el presente.

(26 de julio 2008)

LUIS GONZALEZ PALMA
¿Qué opinas de la responsabilidad del artista?
Pienso que la responsabilidad es para con él mismo. Lo digo en el sentido de que su obra es reflejo de su forma de pensarse como individuo y un vehículo para reflexionar sobre el mundo en el que vive.

¿Hay un hilo conductor buscado en tu trabajo (político, personal, social, etc.)?
No sé si sea buscado, creo que es algo que va aflorando con el tiempo. El trabajo se va dando y es el resultado de las inquietudes, los temores, los anhelos que tienes, es la forma de trabajarte emocional e intelectualmente. Hay elementos que persisten y de eso te das cuenta con el tiempo. Estas constantes puedes leerlas como hilos conductores que le dan cierta unidad a tu obra, pero siento que al final son las propias obsesiones o misterios, que insistentemente buscas resolver.

¿Tienes presente (intencionalmente) el «para quién» diriges tu obra? ¿con quién esta se comunica habitualmente (otros artistas, público en general, quién responde a la obra, etc.?
Intencionalmente tengo el deseo de crear imágenes que inviten a ser contempladas, casi puedo decir «escuchadas», y me imagino que las hago para personas que están buscando lo mismo que yo: dar sentido a una sensación o experiencia de vacío.

REGINA GALINDO
¿Qué opinás de la responsabilidad del artista?
Me parece que uno tiene una responsabilidad con uno mismo, con su trabajo, con lo que cree, con lo que hace. Todos somos responsables en parte de todo lo demás. Un artista es un trabajador común y corriente, simplemente eligió el arte como su medio de vida.

¿hay un hilo conductor buscado en tu trabajo (político, personal, social, etc.)?
Podría decir que el cuerpo, manifestado o utilizada de una u otra manera. Este generalmente, por no decir siempre, esta presente. la cuestión es que cuerpo? el mío propio o el cuerpo humano como metáfora del todo…

¿Tienes presente (intencionalmente) el «para quién» diriges tu obra? ¿con quién esta se comunica habitualmente (otros artistas, público en general, quién responde a la obra, etc.?
No. Mi trabajo no esta construido pensando en la recepción o aceptación del otro. surge de inquietudes, intereses e investigaciones propias y claro, al mostrarlo deja de ser mío y es del otro… el otro y uno mismo siempre están unidos.

DAVID KARMA PEREZ
¿Qué opinás de la responsabilidad del artista?
Ese es un tema que sirve para justificar algunos discurso del arte. No creo que el artista deba tener una responsabilidad a lo externo de su obra, mas que solo con su obra misma. ¿hay un hilo conductor buscado en tu trabajo (político, personal, social, Etc.)? a veces me lo propongo y me pasa, otras veces no me preocupo por lo que hago y me sigue pasando. Aunque no me lo planteo me dirijo mas hacia la cosas que de una forma u otra mas me afectan. sin importar su connotación u origen.
¿Tienes presente (intencionalmente) el «para quién» diriges tu obra? ¿con quién esta se comunica habitualmente (otros artistas, público en general, quién responde a la obra, etc.? Cuando pienso en una obra de arte, no me imagino el publico que formara parte de ella. pienso que es demasiado utópico creer que cierto publico será quien pueda entender la obra u otros no. El artista y el espectador forman parte del mismo conjunto no hay diferencia entre ellos.

SOLEDAD SANCHEZ GOLDAR

¿Qué opinas de la responsabilidad del artista?
Creo que los artistas tienen las mismas responsabilidades que cualquier ciudadano, en mi caso trato de aportar tanto desde mi pequeño rincón de artista como persona, lo importante para mi es ser consecuente entre lo que pienso y hago y ante todo ser honesta conmigo misma y con los demás.
¿hay un hilo conductor buscado en tu trabajo (político, personal, social, etc)?
De momento el hilo conductor es mi experiencia personal, mi historia personal, que es un pequeño reflejo de una historia más general, más macro. El accionismo es a la vez una elección política dentro del campo de las artes.
¿Tienes presente (intencionalmente) el «para quién» diriges tu obra? ¿con quién esta se comunica habitualmente (otros artistas, público en general, quién responde a la obra, etc?
Trabajar sobre mi historia familiar fue un modo de encontrarme con mis seres queridos de un modo constructivo y amoroso, con ellos dialogo los procesos y lo que construyo, ellos son una parte fundamental de mis proyectos y el mejor apoyo, es allí cuando siento que el arte es reparador.
En cuanto a los circuitos trato de mostrar en todos los lugares que pueda, en la calle por supuesto, es un espacio hermoso para dialogar con personas que no estén vinculados a las artes y eso me encanta, es muy enriquecedor para mi. Luego… todo se va de las manos y es inmanejable, lo que recibe y siente el otro….

ANDRES ASIA

¿Qué opinás de la responsabilidad del artista?

Creo que el artista tiene la misma responsabilidad que cualquier persona.
Uno influye y es influido por el contexto.
Considero importante el echo de plasmar la visión de lo que uno experimenta,
Procesa, reflexiona y acciona como puede ser el echo de un cantautor al llamar
o incitar a alzar la voz o un cineasta nos haga conmover con su documental ,
nos cause desagrado una estatua en una plaza o emocionarse con una serenata.
Personalmente trato de aportar mi granito de arena desde mi espacio de acción y
Lo Considero un lugar muy importante ente otros para ejercitar la honestidad y
ser consecuente con lo que digo y hago para mi y los demás.

¿hay un hilo conductor buscado en tu trabajo (político, personal, social, etc)?

Como artista estoy ligado a los sentidos y a las emociones…
Al incursionar en la música llegue a replantearme conceptos como
“sonido-armonia-RUIDO-escuchar-fusion-FEEDBACK-conviviencia-silencio-ECO-distorcion “y otros que me generaron trabajar desde un lugar donde pueda romper prejuicios para escuchar, sentir y pensar.
SI no me gusta lo que recibo debo prestar atención a lo que emito, eso lo aprendí del ECO.
Busco también encontrar o generar climas y sensaciones y eso habla de un espacio y de tiempo como también ser un puente o un disparador para quien lo percibe.
Es mi arte una herramienta de expresión mediante un lenguaje que adopto como propio donde construyo mi lugar y trabajo además en hacer una búsqueda espiritual al construir un campo de acción entre emisor y receptor aspirando al FEEDBACK.
Hacer arte en si ya es una acción política y uno plasma su filosofía.

¿Tienes presente (intencionalmente) el «para quién» diriges tu obra? ¿con quién esta se comunica habitualmente (otros artistas, público en general, quién responde a la obra, etc?

Trato de mostrar lo que hago en todo espacio posible, ya sea en la calle, la red, un garage o donde sea posible .
Trato de compartirlo con quien desee compartirlo y lo que despierte en otros luego ya
escapa de mi alcance, lo importante para mi es que no pase desapercibido.